Die Tate Modern, die (für Taxifahrer geöffnete) Kathedrale der zeitgenössischen Kunst, wird 25.

Maman , eine furchterregende 9 Meter große Bronzespinne mit einem Eiersack aus Marmor, drang in die Turbinenhalle des ehemaligen Bankside-Kraftwerks ein. Die Skulptur von Louise Bourgeois war wirklich imposant und die ersten, die sie sahen – noch vor der Presse oder Kunstkritikern – waren die Taxifahrer der legendären Londoner Black Cabs . Mundpropaganda war schon immer die beste Marketingkampagne, daher war es wichtig, dass diejenigen, die die Menschen durch die Stadt beförderten, wussten, wo dieses Experiment stattfand, das südlich der Themse eröffnet wurde.

Viele hatten ihre Zweifel, als die Idee aufkam , im Londoner Stadtteil Southwark ein Museum für moderne Kunst zu eröffnen. Im Jahr 2000 war es nicht gerade das beliebteste Werk. Und auch die Briten hatten keine besondere Vorliebe für diese Art von Arbeit.

Als das Museum of Modern Art (MoMA) 1929 in einem Stadthaus in Manhattan eröffnet wurde, stieß es bei einem Publikum, das sich mit abstrakten Werken noch immer unwohl fühlte, auf Unverständnis . Als das Centre Georges Pompidou 1977 seinen Pariser Standort eröffnete, prangerten Philosophen das multidisziplinäre Museum als Einkaufszentrum an. Doch mit der Tate Modern in London, einem Backsteingebäude, das größer war als die beiden vorherigen, stellte sich der Erfolg sofort ein.

Der 99 Meter hohe Turm des ehemaligen Kraftwerks erhebt sich imposant aus einem einst vergessenen Abschnitt des South Bank und sendet eine Botschaft der Erneuerung und der Möglichkeiten an den Rest der Welt. Und die Welt reagierte. Die Prognose lag bei zwei Millionen Besuchern im ersten Jahr; aber es kamen fünf Millionen Menschen.

Die Prognose ging von zwei Millionen Besuchern für die Tate Modern im ersten Jahr aus; fünf nahmen teil

Die Tate Modern ist nun 25 Jahre alt und wurde in die „Kathedrale der zeitgenössischen Kunst“ umgewandelt. Anstatt die Konkurrenz zu imitieren, schrieb es die Regeln neu und setzte den Standard für Museen des 21. Jahrhunderts . Sein Erfolg war von Anfang an nicht nur ein Erfolg für die britische Geschichte, sondern für die Kunstwelt weltweit. Vier der fünf Direktoren waren Ausländer.

Das 25-jährige Jubiläum besteht jedoch nicht nur aus Champagner und Blockbustern. Wie bei den meisten Kultureinrichtungen haben der Brexit , die Pandemie und die Finanzierungskrise ihren Tribut gefordert. Während sich das British Museum und das Natural History Museum von der Pandemie erholt haben, ist dies bei der Tate Modern nicht der Fall. Im Jahr 2024 besuchten eine Million weniger Menschen die Galerie als in der Zeit vor COVID. Aufgrund der Krise war die Tate Group gezwungen , aus Kostengründen 7 % ihrer Belegschaft abzubauen – und das nur fünf Jahre, nachdem sie 167 Personen freiwillige Entlassungen angeboten hatte.

Einige Kritiker, wie etwa Lara Brown vom Spectator , glauben, dass die Kommissionsmitglieder heute in Angst vor jeglicher öffentlicher Kritik leben. Die Galerie brauchte drei Jahre, um Philip Guston Now zu zeigen, da Bedenken bestanden, einige Werke des Künstlers könnten anstößig sein. Gustons Werk, das sich größtenteils mit dem Ku-Klux-Klan befasst, übt Kritik an Rassismus, Antisemitismus und Faschismus. Da die Mitarbeiter der Tate jedoch befürchten, dass Besucher selbst durch eine negative Darstellung der weißen Vorherrschaft beleidigt werden könnten, wurde beschlossen, die Ausstellung zu verschieben, „bis wir der Ansicht sind, dass die kraftvolle Botschaft sozialer und rassistischer Gerechtigkeit, die im Mittelpunkt von Philip Gustons Werk steht, klarer interpretiert werden kann“, stellt er klar.

Jason Farago von der New York Times betont jedoch: „Die Tate Modern ist das Museum des Jahrhunderts, ob es uns gefällt oder nicht.“ „Sein Erbe reicht weit über die South Bank hinaus, bis in die Tiefenstrukturen der Branche, wo er die Erwartungen der Öffentlichkeit an Museen auf der ganzen Welt – im Guten wie im Schlechten – verändert hat“, sagt der Experte.

Die Geschichte der Tate Modern ist mit einem Namen verbunden: Nicholas Serota , der 2014 von der renommierten Zeitschrift Art Review ernannt wurde als „mächtigster Mann der Kunstwelt“. Er leitete die Tate-Gruppe von 1988 bis 2016. Das ist nichts.

Als er die Zügel übernahm, war Robert Mugabe gerade Präsident von Simbabwe geworden, Margaret Thatcher befand sich in ihren besten Jahren und die Vereinigten Staaten befanden sich noch in der Reagan- Ära.

Die neoklassizistische Tate Gallery in Pimlico war aufgrund einer seltsamen Doppelfunktion zu klein geworden: Sie beherbergte die nationale Sammlung britischer Kunst vom 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart, darunter einen riesigen Nachlass an Gemälden und Aquarellen von JMW Turner , aber auch eine schäbige Sammlung sogenannter „moderner ausländischer Kunst“, die weitgehend den alten britischen Geschmack für Naturstudien und Landschaften widerspiegelte.

Serotas Lösung bestand darin, das Projekt aufzuteilen. Das ehemalige Zuhause der Tate Gallery würde britische Kunst beherbergen (umbenannt in Tate Britain), während die internationale Sammlung ein neues Zuhause bekäme. Das Schweizer Architekturbüro Herzog & de Meuron hat einen Designwettbewerb zur Umgestaltung des Bankside-Kraftwerks gewonnen. Direkt gegenüber auf der anderen Seite des Flusses befindet sich die St. Paul’s Cathedral. Die von Norman Foster entworfene Millennium Bridge verband das Alte mit dem Neuen.

Serota entwickelte mehrere Lösungen, die die Tate Modern eine Zeit lang zur wichtigsten Touristenattraktion des Landes machten, die aber auch einige der grundlegenden Funktionen von Museen der Vergangenheit in Frage stellten. Dazu gehörte zum Erstaunen vieler Kritiker die Ersetzung der chronologischen durch eine thematische Organisation.

Eine zweite Maßnahme bestand darin, die Moderne in Westeuropa und den Vereinigten Staaten zu ignorieren und in den „Schwellenmärkten“ nach überdurchschnittlichem Wert zu suchen. Die Galerie verkündete ihre Ambitionen im Jahr 2001 mit „Century City“, ihrer ersten großen Leihgabeausstellung , die die Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts als eine Jahrzehnt für Jahrzehnte umfassende Grand Tour darstellte, mit Stationen in Paris, Moskau und New York, aber auch in Bombay, Rio de Janeiro, Lagos und – als Endpunkt – im London der 1990er Jahre.

Tatsächlich waren Cool Britannia und die Young British Artists der 90er Jahre der Schlüssel. Zwar bestreitet niemand Serotas Leistungen, doch renommierte Kunstkritiker wie Waldemar Januszczak behaupten, dass die Revolution vor allem durch „Ereignisse hinter den Kulissen“ vorangetrieben wurde. Insbesondere die Ankunft von Charles Saatchi , dem Mann, der für die Werbekampagne verantwortlich war, die Margaret Thatcher zur Eisernen Lady machte.

Die Eröffnung seiner privaten Galerie in St. John's Wood im Jahr 1985 stellte sowohl für die Tate-Gruppe als auch für die vorherrschende Meinung der Zeit eine echte Herausforderung dar. „Indem Saatchi auf junge Talente wie Damien Hirst oder die Chapman-Brüder setzte, tat es etwas, was die Tate nie getan hatte: blindes Vertrauen in das Neue “, erklärte Januszczak in einem Artikel in der Sunday Times .

Er behauptet, dass Hirst und seine Formaldehyd-Haie, als sie ihre Reise von den hinteren Seiten der Zeitungen auf die Titelseiten antraten, dies im Widerspruch zu allem taten, wofür die Tate damals stand. Einen Wendepunkt markierte 1997 die Ausstellung „Sensation“ von Saatchi. „Die Eröffnung der Tate Modern im Jahr 2000 war das Tüpfelchen auf dem i , hatte aber nichts mit dem Kochen zu tun“, sagt der Experte.

Wie dem auch sei, die künstlerische Beziehung zwischen Serota und Saatchi endete mit einer Scheidung . Während Saatchi in ein qualvolles Zwielicht verbannt wurde, wurde sein Feind zum Entscheidungs- und Verwaltungskönig der zeitgenössischen Kunst.

Der größte Erfolg der Tate Modern über die Jahre hinweg war die Turbinenhalle , die nach Bourgeois‘ Kronleuchter jedes Jahr Anlass für die Auftragsvergabe eines riesigen neuen Kunstwerks gab. Die riesige rote PVC-Membran, die zwischen drei Stahlringen gespannt ist Anish Kapoor ; der lebensgroße Indoor-Sonnenuntergang mit verspiegelter Decke von Olafur Eliasson ; „Crack“ von Doris Salcedo – das den Boden der Galerie buchstäblich zum Einsturz brachte –; oder Ai Weiweis 100 Millionen handbemalte „Sonnenblumenkerne“ aus Porzellan gehören zu den kultigsten Kreationen.

Im Jahr 2016 eröffnete die Tate Modern einen neuen Anbau mit einer zusätzlichen Fläche von 20.700 Quadratmetern, was einer Vergrößerung der Fläche um 60 % entspricht. Das 65 Meter hohe Gebäude verfügt über zehn Stockwerke, von denen das oberste über einen Balkon mit einer beeindruckenden 365-Grad-Aussicht verfügt. Dies hat bereits zu mehreren Rechtsstreitigkeiten mit Anwohnern der angrenzenden Gebäude geführt, die sich in ihrer Privatsphäre verletzt fühlten.

Mit der Erweiterung wurde die Tate zum ersten Museum der Welt mit einem Bereich, der ausschließlich der Aufführungskunst gewidmet ist . Im Jahr 2016 ahmten sechs Erwachsene Skulpturen aus Fleisch und Blut nach, die langsam gingen und dabei ein Flüstern ausstießen, das dem von Mönchen beim Meditieren ähnelte. Kunst? In der Tate, ja.

Im Laufe ihres ersten Vierteljahrhunderts ist die Tate Modern Teil des Establishments geworden, ohne ihre Anziehungskraft zu verlieren.

Seit ihrer ersten Veranstaltung für Londoner Taxifahrer besteht das Manifest der Galerie darin, Kunst für alle zugänglich zu machen. Kinder malen auf dem Boden, Schüler haben Spaß, Familien machen Picknicks. Darüber hinaus hat das Museum versucht, seinen Katalog zu erweitern und mehr internationale Künstler und Frauen in seine Sammlung aufzunehmen. Darüber hinaus wurden große Ausstellungen zu Werken von Frida Kahlo , Georgia O'Keeffe und Yayoi Kusama gezeigt , wobei letztere im Jahr 2023 voraussichtlich alle Besucherrekorde brechen wird. Für nächstes Jahr ist eine Retrospektive von Tracey Emin geplant, die zur Generation der jungen britischen Künstler der 90er Jahre gehört .

Im Vergleich zur National Gallery , die im vergangenen Jahr ihr 200-jähriges Jubiläum feierte, ist die Tate Modern ein sehr junges Extra . Es stimmt, dass es im ersten Viertel dieses Jahrhunderts Teil des Establishments geworden ist, ohne seine Anziehungskraft zu verlieren, was schwierig ist, aufrechtzuerhalten. Doch die Aufgabe der modernen Kunst besteht darin, sich weiterzuentwickeln und den Status Quo herauszufordern. Und darin liegt die Herausforderung für seine Kontinuität.