Von PAN-Boxen bis zu den Nullen auf einer Banknote: Die Ausstellung bietet eine visuelle Archäologie der argentinischen Vergangenheit

Die Ausstellung „De origen nacional“ (Nationaler Ursprung), präsentiert von Banco Macro und kuratiert von Patricia Rizzo, ist eine visuelle Reise mit Werken von Emiliano Miliyo und Aimé Pastorino , die Identität, Erinnerung und kulturelle Symbole unseres Landes reflektieren . Im Erdgeschoss der Lobby des Torre Macro verschmilzt Fiktion mit der Erinnerung an Objekte, die Generationen prägten.

In der Werbung ist eine Marke ein Name, Begriff, Zeichen, Symbol oder Design – oder sogar eine Kombination davon –, das die Waren und Dienstleistungen einer Gruppe von Herstellern von denen der Konkurrenz abheben soll. Durch die Konzentration auf die symbolische Dimension von Objekten wird der ästhetische Wert im Inland produzierter Behälter und Verpackungen so nachgebildet, dass der fiktive Aspekt deutlich wird.

Ohne die emotionale Verbindung zu bestimmten Marken, die im kollektiven Gedächtnis verankert sind , aufzugeben, schafft jeder Künstler Werke mit persönlichen und historischen Aufzeichnungen. Beide konstruieren Szenen als eingefrorene, nostalgische Referenzen und verstärkte Bilder, die den Betrachter aus einer kollektiven und intimen Perspektive herausfordern.

Das Kuratorium bringt diese Tendenz besser auf den Punkt, wenn es erklärt: „ Die Ausstellung dreht sich um den Begriff des Nationalen als ein erweitertes Feld von Zeichen, Affekten und Geschichten . Und es fügt hinzu: Sie zieht eine Linie zwischen Konsumgütern, populären Grafiken, Banknoten, Marken, industrieller Ästhetik und Werkzeugen, um eine zeitgenössische Lesart des Lokalen als affektives und politisches Archiv vorzuschlagen.“

Es besteht eine emotionale Verbindung, die die Bindung zwischen Marke und Verbraucher stärken kann. Positive Emotionen wie Glück, Vertrauen und Bewunderung werden in komplexen Partnerschaften mit einigen Marken gefördert, die für Gesundheit, Verbundenheit und Feierlichkeit stehen.

Der kuratorische Text erklärt es sehr deutlich: „Durch unterschiedliche Materialien und Sprachen – Gemälde, Skulpturen, Installationen – behandeln sie Themen wie Konsum, Erinnerung, Grafikdesign, historische Erzählungen und die Ästhetik des Alltags. Die Stücke der Ausstellung erinnern an Verwendungszwecke und Symbole im Zusammenhang mit Geld, Produktionsweisen und Konsumformen und bieten eine visuelle Archäologie unserer jüngsten Vergangenheit. Das Ergebnis ist eine sensible und präzise Bestandsaufnahme von Zeichen, die verschiedene Generationen und soziale Kontexte durchqueren und durch zeitgenössische Kunst neu interpretiert werden.“

Die komplexe monetäre Vergangenheit und der Austausch von Pesos und Münzen werden in weiche Skulpturen verwandelt, die in der Luft zu schweben oder sich auszudehnen scheinen, wodurch sie den Maßstab sprengen und als gerahmte Werke aufgewertet werden. Diese Hinweise finden sich in den Werken von Emiliano Miliyo (1970), einem Künstler, der eine Karriere rund um Marken aufgebaut hat: bestimmte emotionale Verbindungen, die in der Erinnerung des Betrachters mit Qualität, Verbundenheit, Wert und Zufriedenheit präsent sind.

Populäre Ikonografien wie Banknoten, Einkaufslisten, Brotdosen, Zementsäcke und Spielzeuge arbeiten an der Schnittstelle von Sprachen und Maßstäben. Miliyo sagt: „Ich arbeite mit Elementen, die wir alle kennen. Nicht, um sie zu idealisieren, sondern um zu verstehen, warum sie Bestand haben, was sie uns über uns selbst erzählen und wie wir sie heute betrachten. Werke, in denen die Grenzen zwischen Malerei, Skulptur, Objekt und Installation verschwimmen.“

Nur diejenigen, die die Ära Raúl Alfonsíns miterlebt haben, der seine Regierung 1983 mit dem Slogan „Mit Demokratie essen, heilen und bilden wir“ begann, dessen Wirtschaftspolitik jedoch 1988 scheiterte. Vor dem Ausbruch der Hyperinflation im Mai 1989 waren die PAN-Boxen (National Food Plan), die die Katastrophen dieser Wirtschaft milderten, bereits im Umlauf. Sie wurden an Gruppen verteilt, die von lebensmittelbedingten Krankheiten bedroht waren, und enthielten einen Grundvorrat an Trockennahrungsmitteln. Seine Werke waren unter anderem im MALBA, im Museo Moderno, im CCK, im Museo Fortabat und an internationalen Veranstaltungsorten wie Pinta NY zu sehen . Er war Direktor des LEA-Programms am Faena Arts Center.

In der Galerie harmonieren zwei Werke perfekt mit einem Verweis auf die Kunstgeschichte . Die PAN-Boxen imitieren Andy Warhols Brillo-Boxen, obwohl die Boxen unseres Künstlers den Hunger linderten und Andys Konsum zelebrierte. Dahinter, auf dem flachen Träger, befindet sich die Marke Poxipol in einem Querformatrahmen mit Ausschnitten, die Fontanas Räumlichkeit imitieren. Für den Künstler ist die Einbeziehung von Elementen aus Werken anderer Künstler weit davon entfernt, ein Zitat oder eine Hommage zu sein. „Was ich nehme, ist das, was als Produkt wahrgenommen werden kann , ein Markenzeichen der Kunstgeschichte, das als Anstoß zum Nachdenken über die heutige Gesellschaft dient.“

Einige Aquarelle und Skulpturen auf Baumwollpapier mit Tintenstrahldrucken, wie etwa die Stücke „1.000.000“, „Argentinischer Peso“, „1000 Pesos (Skulptur)“ oder „Loma Negra“, die die Begriffe Wert, Repräsentation und symbolische Zirkulation erweitern.

Aimés Arbeiten analysieren spezifische soziopolitische Kontexte durch die realistische Reproduktion von Alltagsgegenständen aus geschnitztem, zusammengesetztem und bemaltem Holz . Sie reichen von erkennbaren Maschinen, wie einer Nähmaschine aus zusammengesetztem Holz, die so gedrechselt wurde, dass die für ihren Betrieb notwendigen Mechanismen nachgebildet wurden, bis hin zu sorgfältigen Nachbildungen von Farbdosen, Klebstoffdosen oder alten Spielzeug- oder Streichholzschachteln.

Sie schafft eine nationale Archäologie verschiedener Epochen , indem sie an der Schnittstelle von Sprachen arbeitet und Maßstäbe respektiert, in Werken wie „Piano piano si va lontano“ (2019), einer Installation mit Repliken von Maschinen und Objekten aus der Tischlereiwerkstatt des Großvaters der Künstlerin, die im gleichen Maßstab wie die Originale gemessen werden, die variieren. „WD-40 Box“, „MIT“ oder „The Stoic Duration“ komponieren eine materielle Landschaft, die durch Gesten der Kontemplation, technischer Präzision und spielerischer Kritik als Übersetzer zwischen der Ästhetik des Alltäglichen fungiert.

„ Jedes reproduzierte Objekt enthält eine Geschichte . Wichtig ist nicht nur, was es darstellt, sondern auch, wie es erhalten, aufgezeichnet und transformiert wurde“, sagt Aimé Pastorino.

Ihre aus geschnitztem und polychromem Holz gefertigten Werke wurden in Malba, Muntref, dem Castagnino-Macro Museum und dem Kunstverein Leipzig ausgestellt. Sie beschäftigen sich mit Formen des Industriedesigns und der häuslichen Erinnerung und enthüllen und erinnern an die Konstruktion von Erfahrungen und kollektivem Gedächtnis.

In einem aktuellen Bericht erklärte der Künstler: „In meinem Haus existierten die folgenden Werkstätten nebeneinander: die Goldschmiedewerkstatt meines Vaters, die Tischlerwerkstatt meines Großvaters, ergänzt durch die Malwerkstatt meiner Großmutter zur Herstellung der buntesten Nestbaukästen, und das Künstleratelier meiner Mutter. Schon vor meinem Kunststudium beherrschte ich Tischler-, Schweiß-, Mal-, Zeichen- und andere Techniken. Vor diesem Hintergrund ist es nicht verwunderlich, dass ich mich in meiner Arbeit stets für das Handwerk interessiere und auch nicht für die Wahl des Objekts als Darstellungsmittel.“

Wenn Unternehmen ihre Marke durch Werbung, Promotions und positive Erlebnisse positiv präsentieren, gewinnen Verbraucher Vertrauen und Zufriedenheit beim Kauf. Laut Verbrauchern sind Qualität, Verbundenheit, Wert und Zufriedenheit die typischsten Merkmale einer Beziehung zu einer Marke.

Er fügt hinzu: „ Die sozialen und politischen Spannungen einer Ära lassen sich ebenso in den Objekten ablesen wie ihre Werte und Wünsche. Deshalb erscheint in meinen Installationen der Platz der Subjekte als Gegenform, als eine Leere, die vom Betrachter und seiner Sensibilität gefüllt werden kann. Ich hoffe, dass wir in den Überresten der Vergangenheit den Hinweis finden, der uns hilft, die Gegenwart neu zu überdenken.“

Anhand persönlicher und historischer Aufzeichnungen konstruieren beide Künstler eingefrorene Szenen, nostalgische Referenzen und verstärkte Bilder, die den Betrachter aus dem Kollektiven und Intimen herausfordern.

Nationalen Ursprungs , von Emiliano Miliyo und Aimé Pastorino im Torre Macro (Av. Eduardo Madero 1172) von Montag bis Freitag von 10 bis 18 Uhr, Eintritt frei.