Edler Schmuck, inspiriert von jahrhundertealten Gemälden im Met

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Seit seiner Eröffnung im Jahr 1958 ist Venedigs historisches Hotel Cipriani – abseits der Massen auf der Insel Giudecca gelegen, mit herrlichem Blick auf die schwimmende Stadt und ihre Wasserstraßen – ein Inbegriff für ein genussvolles Leben, die Art von Ort, an dem man kreative Größen wie Sofia Loren, Catherine Deneuve und Yves Saint Laurent hätte abhängen können. Doch wie alle guten alten Hotels benötigte auch das 67-Zimmer-Haus irgendwann eine Auffrischung, die Venedigs moderneren architektonischen und künstlerischen Charakter sowie eine neue Ära des Luxus widerspiegeln sollte; aus Sicht der Eigentümer des Belmond war der in Queens geborene Architekt Peter Marino der Richtige dafür, der vor etwa drei Jahrzehnten mit Renovierungsprojekten in Venedig begann. „Man sieht Bilder von Gloria Guinness im Hotel, ihr Haar bis zum Himmel toupiert, und ich wollte hier dieses Gefühl von fast unmöglichem Glamour einfangen“, sagt er. „Es ist kein Palazzo-Glamour oder altvenezianischer Glamour, sondern ein typischer 60er-Jahre-Look.“ Tatsächlich wurde dieses Hotel im Gegensatz zu vielen anderen angesehenen Hotels der Stadt nicht in einem ehemaligen Palast untergebracht, sondern von Grund auf neu gebaut, mit quadratischeren Proportionen, die Marino mit grafischen Gemälden aus der Mitte des Jahrhunderts von Künstlern wie dem italienisch-amerikanischen Künstler Conrad Marca-Relli und mundgeblasenen venezianischen Kosmetikspiegeln auflockern wollte. Obwohl er die schöne Originallobby intakt ließ – „Über 50 Leute in der Stadt haben mich am Arm ergriffen und gesagt: ‚Bitte ändern Sie das nicht‘“, sagt er – wird Marino die Inneneinrichtung in den nächsten Jahren außerhalb der Saison völlig neu konzipieren. Die erste Phase, darunter eine neue luftige Lobby mit doppelter Raumhöhe und 13 Suiten mit viel Glas und goldfarbenen Details, wird am 27. Mai eröffnet, gerade rechtzeitig zum Sommer. „Ich mache keine Brokatwände“, sagt er, „aber hoffentlich finden die Leute in Venedig das hip.“ Ab etwa 2.000 Dollar pro Nacht, belmond.com .

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„Atsuko Tanaka, Yayoi Kusama“, eine kürzlich eröffnete Ausstellung in der Paula Cooper Gallery im Manhattaner Stadtteil Chelsea, zeigt eine Auswahl von Arbeiten auf Papier und Leinwand der beiden japanischen Künstlerinnen. Sie gehören derselben Generation an – Kusama wurde 1929 geboren, Tanaka 1932 – und beide „fanden ihren Durchbruch in der abstrakten Malerei mit repetitiven Motiven“, sagt Anthony Allen, ein Partner der Galerie, die die Ausstellung organisierte, aber „sie haben sich wahrscheinlich nie kennengelernt“. Kusama, die für ihre Polka Dots und ihre netzartigen „Infinity Nets“-Serie berühmt ist, kam mit Ende 20 in die New Yorker Kunstszene, während Tanaka, die sich auf Kreise und Linien fixierte (die auch in ihrer Performance „Electric Dress“ von 1956 eine wichtige Rolle spielten), in Japan blieb und zu einem zentralen Mitglied der avantgardistischen Gutai-Bewegung wurde. Beide verwendeten Performance, Textilien und Installationen in ihren Werken und „kämpften mit ähnlichen Hindernissen“, sagt Allen. Indem er Tanaka und Kusama gemeinsam zeigt, hofft er, „jede Künstlerin aus ihrem üblichen Präsentationskontext zu lösen“. Gezeigt werden mehrere Arbeiten aus Kusamas frühen Jahren, darunter eine ihrer weniger bekannten Sticker-Collagen, sowie eine breitere Auswahl von Tanakas Werken aus den Jahren 1956 bis 2001. Die Ausstellung umfasst außerdem drei Kurzfilme – zwei von Tanaka, einen von Kusama – und eine Reihe dokumentarischer Fotos, die die beiden Künstlerinnen bei der Arbeit zeigen. „Atsuko Tanaka, Yayoi Kusama“ ist bis zum 14. Juni auf paulacoopergallery.com zu sehen .

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Für die Schmuckdesignerin Jess Hannah Révész aus Los Angeles ist ein Spaziergang durch die Gemäldegalerien des New Yorker Metropolitan Museum of Art eine Schatzsuche. Während manche beim blauen Seidenkleid in Jean-Auguste-Dominique Ingres’ „ Princesse de Broglie “ (1851–1853) verweilen, zoomt Révész auf den Stapel goldener Ringe der Porträtierten. Einer dieser Ringe, ein schweres Band wie ein aufgerolltes Seil, wurde nun im Rahmen einer neuen Schmuckkollaboration von J. Hannah mit dem Met in tragbare Form neu interpretiert. „Ich habe mich schon immer von der Vergangenheit inspirieren lassen“, sagt Révész, die zuvor eine Capsule Collection für das Museum entworfen hat, die sich auf die ägyptische Pharaonin Hatschepsut konzentrierte. Zusätzlich zum Princesse-Ring – angeboten in gebürstetem 14-karätigem Gold oder poliertem Silber sowie als Creole – hat Révész Schmuck aus drei weiteren Meisterwerken neu interpretiert. „ Judith mit dem Haupt des Holofernes “ (ca. 1530), Lucas Cranachs des Älteren verschönerte Version der biblischen Erzählung, zeigt die Heldin mit einem vergoldeten Halsband, das mit winzigen Perlen verziert ist, von denen Révész eine auf ihren Vierpass-Anhänger übertrug. Die Reihe der Ringe in „ Bildnis einer Frau aus der Familie Slosgin zu Köln “ (1557) von Barthel Bruyn dem Jüngeren manifestiert sich in zwei Designs: dem zierlichen Diptychon mit zwei Edelsteinen und dem Vierpass, erhältlich als gravierbares Siegelring oder mit einem einzelnen rechteckigen Stein – „unisexy“, wie der Designer witzelt. Hans Memlings Hochzeitsporträts von Tommaso und Maria Portinari (ca. 1470), die mit zum Gebet gefalteten Händen dargestellt sind, inspirierten J. Hannah zu ihren Devotion-Ringen mit bauschigen Goldbändern und einem oder zwei Steinen in Krappenfassung. Die Stücke der Kollektion werden auf Bestellung mit zeitgemäßen Karneol-Cabochons oder facettierten Saphiren gefertigt. Révész fügte als dritte Option recycelte Diamanten hinzu – aus Spaß, sagt sie. „Das war so mein Ding.“ Die „Subjects of Adornment“-Kollektion erscheint am 25. Mai; ab 440 Dollar, jhannahjewelry.com .