Kalorama, Día 1: Bailando como niños del pop

Antes que nada, afrontemos el elefante en la habitación: siempre es motivo de celebración tener una banda del calibre de los Pet Shop Boys en Portugal, pero su actuación en el escenario principal en este primer día de MEO Kalorama fue la segunda que el dúo londinense tuvo en el espacio de dos años en nuestro país, todavía como parte de la misma gira de grandes éxitos, Dreamworld . En 2023, vinieron al Primavera Sound en Oporto; antes de eso, tenemos que remontarnos a 2010. ¿Se trata de un caso de usar el cliché "no hay hambre que no resulte en abundancia"? Tal vez, pero la relevancia de ser tratados con una formación casi idéntica y el mismo espectáculo visual es cuestionable, especialmente considerando que, mientras tanto, lanzaron Noobless en 2024, un álbum que no tenía una sola canción esta noche.

Sin embargo, esta es probablemente una crítica insignificante dada la forma en que el público —lejos de ser abrumador, pero sí enérgico— se entregó al concierto de casi hora y media. Y quienes estuvieron en Oporto hace dos años y regresaron aquí al menos pudieron ver un concierto mejor, sin el sonido lento que caracterizó al anterior. Es cierto que los ritmos exigían más potencia y que la voz de David Tennant —que nunca ha sido un prodigio— se mostró frágil por momentos, pero el desfile de éxitos que aportaron los Pet Shop Boys es innegable y pudo sonar aquí con el triunfalismo que se requiere.

Después de todo, estamos hablando de una institución del synth pop que ha hecho de la música sintetizada sin pudor una forma de arte fundamental y, como resultado, ha dejado su huella en las listas de éxitos de las canciones más escuchadas, desde Lady Gaga hasta Disclosure. Sí, es cierto que lo que una vez pudo haber sonado futurista hoy parece cariñosamente asociado con cierta era, pero estas siempre serán conclusiones apresuradas que se vuelven efímeras durante la actuación. Algunas de las canciones no podrían sonar más "actuales": Vocal , el cierre, con un pulso casi techno, es una de ellas; la nostálgica The Pop Kids , quizás la más reciente que tocaron, es un ejemplo de esto: recuerda el pasado de la banda y suena igual.

La actuación comenzó con la melancolía propia de Suburbia, con Tennant y Chris Lowe luciendo máscaras futuristas bajo dos focos que imitaban lámparas, parte de un formidable espectáculo visual (o quizás esa sea una de sus señas de identidad). Permanecieron así hasta que el panel del fondo se levantó y reveló a tres miembros más, dos percusionistas y una teclista, Clare Uchima, quien tuvo un momento culminante al reemplazar a Dusty Springfield cantando a dúo "¿Qué he hecho para merecer esto?".

Enumerar los clásicos que la banda interpretó en escena es una tarea tan agotadora como infructuosa, dada la cantidad de ellos. Sin embargo, cabe destacar la relevancia que siguen teniendo Panimero y Rent (pese a su aparente simplicidad), la forma en que las versiones de Where the Streets Have No Name (I Can't Take My Eyes Off You) y You Were Always on My Mind cautivaron al público con canciones que no paraban de bailar, y el puro delirio que provocaron Domino Dancing y It's a Sin . El bis de West Side Girls y Being Boring no necesitó elevar la energía de un público ya rendido.

Tras el calentamiento, la sesión de baile continuó en el Escenario San Miguel. Tras Paredes de Coura , sería difícil que L'Impératrice se superara. Como protagonistas de una de las actuaciones más magnéticas y queridas de los festivales portugueses del año pasado, el Parque da Bela Vista jamás habría podido transformarse en el anfiteatro natural del Miño, sobre todo estando en la ciudad, sin todo el ambiente (y la magia) de un festival que nos permite escapar de la rutina, y este viernes es día laborable para muchos.

Además, la banda francesa se enfrentaba a otro reto. L'Impératrice había perdido a su vocalista, Flore Benguigui, quien decidió abandonar el grupo tras una serie de desacuerdos internos. Si bien no era la figura más importante de la banda en cuanto a composiciones y música, seguía siendo un elemento fundamental gracias a su carisma en las actuaciones.

En MEO Kalorama, ante una multitud dispuesta a bailar, pero sin el espíritu de un festival de verano remoto, L'Impératrice hizo lo que pudo, apostando por sus virtudes. Son herederos del French Touch, la música electrónica francesa, funky y alegre, con líneas de bajo seductoras y ritmos irresistibles. En directo, son capaces de plasmarlo con un virtuosismo especial, como una auténtica orquesta de música dance.

En el escenario, los multiinstrumentistas intercambiaron guitarras, bajos y sintetizadores, dotando al concierto de una dinámica excepcional. Ubicados majestuosamente, con el baterista sobre una estructura brillante y los teclados sobresaliendo a un lado, aparecieron rodeados de numerosas luces, y ellos mismos sostenían una en el pecho, que cambiaba de color según las canciones.

La nueva vocalista, Maud “Louve” Ferron, quizá aún esté inexperta, pero logró cumplir con su rol de frontwoman , animando al público. Y, después de todo, la voz no es en absoluto el elemento más decisivo en la música de L'Impératrice, donde los grooves y los ritmos reinan por encima de todo. Música bailable tan contagiosa que, curiosamente, uno de sus momentos más álgidos fue la única canción lanzada en esta nueva etapa del grupo, Entropia , revelada este año y que podría ser un gran augurio para el futuro del colectivo. Un reto superado, aunque la misión de superar la gloria de 2024 fuera realmente imposible.

"¿Acaso el tiempo nos engaña?" Esa era la pregunta que Josh Tillman se hacía al regresar a Portugal para tocar en Father John Misty . Es cierto que el estadounidense ya no inspira la misma dedicación canina que cuando emergió como la nueva gran cara de la música indie —y quizás eso se refleje en su posición en el cartel al final de la tarde—, pero nunca ha dejado de saber cómo dar un buen espectáculo, como demostró claramente.

Tillman lleva relativamente poco tiempo en nuestro país —tocó en Meco en 2023—, pero algo ocurrió entre esos dos años: Mahashmashana , su sexto álbum, celebrado como una especie de regreso y cuyo nombre, en sánscrito, significa "gran crematorio". Si este término sugiere introspección, no es casualidad. Lo que vimos en el escenario de Kalorama fue un artista más maduro y menos publicitado, parco en su interacción con el público, pero manteniendo ese estilo elegante de maestro de ceremonias que no necesita mucho más que un ligero contoneo de caderas y dejando que las letras —llenas de observaciones, a veces sarcásticas, a veces introspectivas— hablen por sí solas.

Encajando en el line up como disfraces hechos a medida, la calidad de las nuevas canciones compensó un concierto que fue corto y tuvo demasiados “hits” —si es que existen tales cosas en el universo indie— de afuera, como Holy Shit , Chateau Lobby #4 o I'm Writing a Novel . I Guess Time Just Makes Fools of Us All , con un comienzo tipo lounge, se convierte en una maravilla del funk, mientras que She Cleans Up mostró un swing de rock como no la habíamos visto en mucho tiempo. Screamland , con un arreglo más orquestal y un coro dramático cargado de reverberación , sirvió como una especie de elemento central del concierto, y la canción principal es un monumento que se ubica entre lo mejor que ha escrito.

Lo que queda de este concierto es que, donde su trovadorismo pudo haber sonado hueco y cargado de una mezcla de pretensión y honestidad (una frontera porosa que siempre supo mantener) hace una década, cuando emergió a los ojos del gran público con I Love You, Honeybear , hoy, en una era de caos e incertidumbre, el par de letras de aquella canción que cerró el concierto —“Todo está condenado / Y nada se salvará” y “Pero todo está bien / No te desesperes / Porque te amo, honeybear”— resuena especialmente en 2025. El tiempo puede hacernos quedar en ridículo a todos, pero este no es el momento en que Father John Misty se haya convertido en un chiste trillado.

En otro tipo de reflexividad, esta vez más física, la atención se centró de nuevo en el Escenario San Miguel con la irrupción de Sevdaliza . Originaria de Irán, pero criada en los Países Bajos, la artista de 37 años ofreció una actuación explosiva, fiel a su imagen. Alta y de larga melena negra, Sevdaliza es una figura seductora y empoderadora con una actitud relajada. «Portugal ocupa un lugar muy especial en mi corazón», declaró la cantante, que actuó en Sónar Lisboa el año pasado y mantiene una fuerte conexión con el portugués, habiendo grabado ya canciones en este idioma, especialmente gracias a la relación que ha forjado con sus fans brasileños.

No hay duda: esta es una canción alegre e intensa que convierte la angustia en combustible, como se puede apreciar en las numerosas palabras que aparecen en pantalla —"ira", "las chicas están enfadadas", "dolor"— intercaladas con imágenes de armas, explosiones, el bullicio de la ciudad, la agitación de la vida moderna. Las luces complementan la imagen: un espectáculo no apto para cardíacos, pero que contribuyó a convertir el escenario secundario de MEO Kalorama en una vibrante pista de baile. A pesar de sus raíces en Irán y de las banderas palestinas que se veían entre el público, no se mencionó la guerra que se libra en Oriente Medio.

Con una actuación cautivadora y un baile incesante, Sevdaliza demuestra su eficacia para conquistar al público. Sin embargo, su música pop vanguardista, que se vuelve cada vez más electrónica a medida que avanza el concierto, parece ir demasiado lejos, lo que, en contraste, la vuelve algo genérica: un guiño al funk brasileño, al reggaetón y a diferentes sonidos de la música electrónica, desde un ritmo proveniente de las profundidades del techno hasta una estética más ligera que parece salida directamente de Eurovisión.

Acompañada de batería, teclados y una bailarina, Sevdaliza anticipaba su tercer álbum original, Heroina , que debería salir pronto — Messiah, Eternity y Stripper fueron canciones presentadas por primera vez al público portugués y que seguramente también sirvieron para presentarla por primera vez a muchos asistentes al festival.

“Gracias por estar aquí con este calor, amigos, mientras estén aquí no me quitaré el abrigo”, dijo David Bruno, ante la inclemente temperatura que se sintió esa tarde frente al escenario de Kalorama. Pero “cuando me lo quite, no lo olvidarán jamás”. Eso fue lo que sucedió antes de cantar «Bebe e Dorme» , mostrando que, en el forro interior, había una imagen de la Capela do Senhor da Pedra en Gulpilhares, “donde Nicole Scherzinger recibió la propuesta de matrimonio”.

Si todo esto te parece extraño, es porque nunca has visto al rapero y productor actuar en directo. No esperas virtuosismo en una de sus actuaciones, salvo por los solos de guitarra de Marco Duarte, cariñosamente conocido como Marquito, sino más bien un carisma natural y un sentido del humor cautivador, capaz de provocar la envidia de muchos comediantes: «Cada vez que voy a hacer una salchicha, sigo su tutorial», dice, refiriéndose a Isaltino Morais. Para colmo, tiene un excelente animador , António Bandeiras, el «Robert de Niro de Caxinas», que atrae al público de maneras que creíamos inimaginables, desde comerse un plátano, bailar la Macarena y lanzar rosas desde el escenario hasta rasgarse los pantalones para conseguir un híbrido entre falda y short y lanzar las sobras al público.

La fórmula ha sido más o menos la misma desde su debut como solista —es uno de los miembros del Conjunto Corona— con O Último Tango em Mafamude , en 2018: ritmos lánguidos, melodías delicadamente dulces que tocan el aceite de oliva y exploraciones de las idiosincrasias regionales de este hermoso país nuestro, en sus aspectos más singulares. En vivo, sin embargo, todo cambia. Tomemos, por ejemplo, cuando llega armado con una bandeja de acero inoxidable, la misma que usa para presentar Mesa para Dois en Carpa y pedir a los influencers que "dejen las tabernas en paz": "¿quién pide un sorteo donde sirven dietas?", pregunta.

A diferencia de lo ocurrido una semana antes, en el Primavera Sound , no pudo contar con Rui Reininho para cantar Tema de Sequeira con él, pero volvió a reclutar a Presto, de Mind da Gap, para 10 em 10 , y a Mike El Nite para Interveniente Accidental e Inatel , este último potenciado por el hecho de que ambos cantaron ante el público. Al final, tras hermosos momentos de complicidad con los pocos que desafiaron las "temperaturas de mierda [esa no era la palabra correcta]" para estar con él, dejó el lema: "Siéntete orgulloso de tu identidad portuguesa, sin menospreciar a los demás".

Si ésta es una característica mensurable, Cara de Espelho la rezuma. Un año después, la banda sigue de gira presentando su álbum debut homónimo . Vestidos de negro, a excepción del vocalista Mitó que lució un vestido rojo, demuestran sobre el escenario que el título de superbanda no es exagerado. Al fin y al cabo, fue con este estatus que aparecieron en escena cuando reunieron en un mismo grupo a Pedro da Silva Martins (Deolinda), su hermano Luís J. Martins (también de Deolinda), Carlos Guerreiro (Gaiteiros de Lisboa), Sérgio Nascimento (Humanos, David Fonseca y Sérgio Godinho), Mitó (A Naifa) y Nuno Prata (Ornatos Violeta).

“Somos Cara de Espelho y estamos aquí para reflejarte”, comenzó diciendo Mitó con su voz clara e impecable, sin una sola sílaba fuera de lugar durante la hora de concierto. Se trata de música sofisticada, compuesta principalmente por Pedro da Silva Martins, pero con magníficos arreglos de toda la banda. Es imposible no destacar las proezas de Carlos Guerreiro, un ingenioso constructor de una serie de instrumentos musicales, colocados sobre una mesa, que se manipulan durante todo el espectáculo. Evocan un lado popular, un aura mística impregnada en las gaitas y flautas, casi al nivel de lo pagano.

Las letras provocativas reflejan la sociedad contemporánea, pero sobre todo la época de este jardín junto al mar. Son inteligentes, creativas, elevadas, pero con humor. Ponen el dedo en la llaga con clase, son politizadas, pero con elegante sutileza, y canciones como Paraíso Fiscal , Fadistao , Dr. Coisinho o los nuevos sencillos —ya de este año— Elefante no Hemiciclo y O Que Esta Gente Quer fueron precisamente las más aplaudidas. Música esencial de gente como nosotros que refleja tan bien estos tiempos.

En un día en el que no había precisamente mucha gente (Observador solicitó cifras oficiales a la organización, pero no las recibió antes de la publicación de este artículo), The Flaming Lips podrían haberse desanimado al ver la cantidad de gente que abandonaba el recinto tras el concierto de L'Impératrice. Sin embargo, presten atención al tiempo verbal: esto no solo no ocurrió porque, francamente, sospechamos que Wayne Coyne y compañía se habrían conformado con tocar para cinco personas, sino que además había un buen grupo de incondicionales que pensaban que lo mejor estaba reservado para el final.

Una de las grandes instituciones del rock psicodélico posterior a los 60, la banda liderada por Coyne, está de gira interpretando uno de sus álbumes más aclamados, Yoshimi Battles the Pink Robots , en su totalidad. Sin embargo, a diferencia de otras fechas, The Flaming Lips solo tuvieron tiempo aquí para tocar exclusivamente las 11 canciones de ese álbum, así que el tiempo apremiaba. «All We Have Is Now» , una de las últimas canciones interpretadas, selló este mantra en uno de los momentos de comunión más hermosos de todo el día, con la banda y el público cantando al unísono.

"Vamos, vamos, seguid adelante", fueron las palabras que más repitió el vocalista y líder durante el concierto, algo que podría parecer inseguro o presuntuoso si no fuera por su alocada actitud de presionar constantemente al público, que respondió en consecuencia. Esta sana locura, de hecho, se reflejó no solo en los llamativos visuales que aparecieron en el escenario, sino también en los robots inflables rosas que se inflaron sobre el escenario o en un globo gigante que decía "Fuck Yeah Kalorama Lisbon".

Si la primera parte de Yoshimi Battles the Pink Robots inspiró saltos de alegría y genuina inquietud, Ego Tripping at the Gates of Hell, por ejemplo, invitó a un momento más contemplativo. Trompetas, virtuosas interpretaciones de bajo, guitarra slide e incluso ritmos inspirados en el rap coronaron un concierto tan extraño como revelador de cómo el rock es un mundo más allá de tres acordes enlazados. Tras revelar que habían tenido problemas durante el viaje y que corrían el riesgo de perder su vuelo, Wayne Coyne hizo esta promesa: «Esperamos tocar 100 veces más en su festival». Nosotros también lo esperamos.