Il design di una rivista di moda, quell'oggetto di culto

Nell'era della saturazione dei contenuti sugli schermi e del rapido avvento dell'intelligenza artificiale, le pubblicazioni di moda indipendenti stampate più di trent'anni fa sono l'unico oggetto di studio su cui si concentra l'italiano Saul Marcadent.

Editing come curatela. Itinerari di design nelle riviste di moda è il nuovo titolo della collana Studi sulla Moda della casa editrice Ampersand, che si concentra su un tema raro come queste esperienze editoriali di nicchia, queste ultime più come rifugio che come segmento di mercato. Lo stesso vale per il concetto di insider, che può essere incarnato dalla persona che crea la rivista, così come dal direttore, dal direttore artistico, dal fotografo o dallo stilista, tra gli altri ruoli.

Marcadent – ​​ricercatore all’Università Iuav di Venezia e curatore – non si concentra su una rivista qualunque, ma su quelle emerse soprattutto negli anni Novanta; ad esempio Purple, Self Service e Visionaire . Li analizza come alternativa a quelli a cadenza periodica e, a loro volta, alla stampa specializzata, nonché alla bidimensionalità proposta dal digitale. Gli interessa la portata che possono avere raggiungendo qualsiasi persona e diventando strumenti di cambiamento.

Strutturato in cinque capitoli, il libro, pubblicato originariamente in italiano nel 2020 e poi in inglese, approfondisce il quadro teorico di un tema finora poco esplorato e indaga la questione temporale e l'aspetto collaborativo di questi progetti. Oltre ad osservare attentamente la grafica e la direzione artistica che le caratterizzano, e gli esempi di formati di riviste innovativi all'alba del nuovo millennio. Qualcosa che riconferma la validità che possiedono e il loro continuo aggiornamento.

–Se si considera che oggi i giovani seguono la moda attraverso i social network e che le riviste sono diventate un oggetto di culto per pochi, a quali lettori si rivolge il libro?

– Si basa sulla ricerca svolta in ambito accademico ed è rivolto principalmente ad accademici e studenti. Allo stesso tempo, cerca di raggiungere un pubblico più ampio interessato all'editoria di moda contemporanea, alla fotografia e alla grafica. Lo spazio digitale è lo spazio dell'informazione, ma è necessario affermare il valore culturale della pubblicazione cartacea di qualità, e la proliferazione di progetti editoriali di nicchia a livello internazionale è, a mio avviso, un fatto positivo. È per questo motivo che dedico una parte considerevole del mio tempo all'insegnamento in questo campo.

– Le pubblicazioni di cui parli sembrano più strettamente legate al modo di realizzare un oggetto d’arte che a un prodotto giornalistico. Cos’altro puoi dire a riguardo?

–Solo alcune delle riviste analizzate sono destinate a essere numeri da collezione, come Visionaire, fondata a New York nel 1991. La maggior parte si distingue dai periodici di ampia diffusione per caratteristiche specifiche. Non hanno il supporto di un editore o di un gruppo editoriale e sono solitamente caratterizzati da una bassa periodicità, nonché da una piccola tiratura e da una distribuzione che privilegia canali alternativi. Inoltre, trascendono i confini delle pubblicazioni tradizionali grazie al loro design insolito, ai contenuti di nicchia e alla dedizione a comunità specifiche.

–Nel sistema moda è sempre più evidente il ritorno all’artigianalità e alla realizzazione di capi che durino nel tempo. In questo senso, vedi qualche collegamento con il ritorno alle riviste a cui fai riferimento?

– Una rivista stampata è un dispositivo materiale, un artefatto, capace di presenza. La materialità è fondamentale per comprendere le pubblicazioni analizzate nel libro. Le redazioni più interessanti sono quelle che si interrogano costantemente su cosa possa essere oggi una rivista di nicchia. Coloro che sono capaci di sfidare e testare questo mezzo apparentemente obsoleto. Penso che questo fenomeno non sia isolato e che ciò che dici possa certamente essere correlato.

–Nel libro fai riferimento a coloro che lavoravano nelle riviste di nicchia negli anni '90 come insider. Vedi figure simili nel presente?

–La generazione di riviste degli anni Novanta, a cui appartenevano Purple e Self Service, voleva esprimere un punto di vista che potesse aggredire qualsiasi campo. I fondatori cercavano di raccontare un modo di vedere il mondo. Le riviste contemporanee, invece, privilegiano gli ambiti di micro-ricerca per la loro grande diversificazione e offerta. Sono meno informativi e individuano un argomento e lo approfondiscono. Osservo attentamente il lavoro di alcuni fondatori di pubblicazioni indipendenti contemporanee, come Buffalo Zine, lanciato nel 2011. Il duo formato dal direttore creativo Adrián González-Cohen e dal grafico David Uzquiza è molto consapevole del lavoro che svolge, con autenticità e cura. Alcuni numeri sono iconici e, ovviamente, fuori catalogo: penso a “Copyright”, sul tema della copia, o a “Viral”, incentrato sulle pratiche e l’estetica digitale. Il formato, l'impaginazione e la tipografia vengono costantemente reinventati. Un altro aspetto che rende interessante questa rivista è la sua capacità di essere transgenerazionale e di restare sempre connessa al suo tempo.

–Nell’ultimo capitolo fai riferimento al ritorno delle riviste di nicchia. Possiamo dire che si tratta di una risposta o piuttosto di una resistenza alla rapida avanzata degli schermi?

– Possiamo certamente comprenderli come una forma di risposta alla smaterializzazione delle immagini che caratterizza il nostro tempo. Si tratta di progetti che contrappongono la velocità del presente a una temporalità più lenta. Allo stesso tempo, le nicchie non devono essere viste solo come una forma di resistenza: sono laboratori sperimentali in cui avviene il cambiamento. Per comprendere appieno questo fenomeno, dobbiamo cercare di trovare modi per misurare queste esperienze, riconoscerle e mapparle. Allo stesso tempo, dobbiamo verificare se questa modalità di riflessione collettiva e vivace stia plasmando un nuovo approccio alla creazione culturale.