Joachim Trier con il film più popolare a Cannes

Joachim Trier si è specializzato nel descrivere la tristezza dei conflitti familiari e gli stati di solitudine che oggi occupano il volto di Renate Reinsve, attrice divenuta famosa con La persona peggiore del mondo , un successo amato in tutto il mondo. In questo film, in cui il mondo ruota attorno al suo personaggio, a Renate mancava un punto di supporto forte nel cast, ed è anche per questo che Sentimental Value è superiore a lei. Questa volta, il ruolo dell'attore è affidato a Stellan Skarsgård. Il film li ritrae padre e figlia: lui è un regista in pausa creativa, lei è un'attrice di Čechov che attraversa un momento di sfiducia. La loro relazione fu dolorosa per tutta la vita. Un progetto di lavoro congiunto (finanziato da Netflix, che ironia della sorte) si apre come possibilità di riavvicinamento, ma i personaggi dovranno fare molta strada per capire se il tentativo ne è valsa la pena.

C'è un'idea forte dietro il film, il suo gioco di specchi che imita la vita: è che la finzione, una volta presa sul serio, può per un attimo farci dimenticare la realtà, permettendoci di guardarla e riscoprirla da un'altra prospettiva. Gustav, come si chiama il personaggio interpretato da Skarsgård, sa di non essere stato un buon padre per Nora e sua sorella Agnès (Inga Ibsdotter Lilleaas). Lui metteva sempre se stesso al primo posto, in un comfort egocentrico che i cineasti nordici, che li si voglia più o meno apprezzare, hanno saputo smascherare a Cannes (attraverso i film di Ruben Östlund, per esempio).

Senza cadere nelle esagerazioni di chi paragona questo cinema a quello di Bergman (nemmeno la più grande stanchezza da festival può giustificare una simile idiozia), bisogna dire che il nuovo film di Trier, cauto e senza avventurarsi in territori oscuri, è scritto in modo impeccabile, è riuscito nella direzione degli attori (Elle Fanning si unisce ai già citati) e si colloca un gradino sopra il "profumo leggero" dell'opera precedente. "Le persone che negano le proprie emozioni fanno scelte terribili", ha affermato il regista. A Cannes ha messo in mostra questo suo lato emotivo.

Stellan Skarsgård è un forte candidato per la migliore interpretazione e il film è candidato a un premio importante, se non addirittura alla Palma d'Oro (perché è un'opinione unanime, apprezzata dalla maggioranza, e le giurie sono divise). A giudicare dall'ovazione, infatti, l'aveva già vinto.

In programma lo stesso giorno, il film di Trier rubò gran parte dell'attenzione che il festival aveva dedicato a The History of Sound del sudafricano Oliver Hermanus. Qui il tono è diverso perché ci rendiamo subito conto che abbiamo a che fare con personaggi che, di fatto, hanno già negato le loro emozioni e non c'è modo di tornare indietro, per codardia, per indifferenza, si sono fatti il ​​letto in cui giacciono. In questo caso, due giovani musicologi (Paul Mescal e Josh O'Connor), uno cantante, l'altro compositore. Nel 1917 raccolsero la musica popolare tradizionale dello stato americano del Maine. Si innamorano, vivendo il loro amore consumato in segreto, ma quel periodo della prima guerra mondiale non è il momento giusto per fare coming out. E le loro vite inevitabilmente si separano, con matrimoni nel mezzo e tanta amarezza cotta a fuoco lento, poiché i due uomini non smetteranno mai di amarsi.

Uscendo dalla stanza, non c'era cane o gatto che non dicesse che la storia di Lionel e David (così si chiamano i personaggi) era una versione di I segreti di Brokeback Mountain , quando in realtà, per la delicatezza del trattamento e dei gesti, ci sembra che Hermanus sia più vicino a corteggiare altri romanzi, altri modi di sfogliare il tempo, come nel cinema di un Terence Davies, per esempio. Ma The History of Sound non regge questo paragone. A un certo punto le chiuse scoppiano e il melodramma prende il sopravvento sul gioco. Il film è contenuto e il pubblico di tutto il mondo piangerà molto, chissà se verrà incoronato agli Oscar l'anno prossimo.

In Romería , la catalana Carla Simón torna a parlare di esperienze vissute e adotta una linea autobiografica (non direttamente esposta) dell'estate 1993 e di Alcarrás – ma ancora una volta in diminuendo, un dato inquietante. L'estate del 1993 è ancora oggi il suo lavoro migliore. Qui abbiamo una specie di alter ego della regista (Marina/Llúcia Garcia) in viaggio in Galizia, nella città di Vigo, nell'estate del 2004, per incontrare i suoi nonni paterni che non ha mai conosciuto. Suo padre e sua madre, tossicodipendenti, morirono di AIDS negli anni '80 a causa del consumo di rock e "horse". Questa è, in realtà, la storia dei genitori biologici del regista, una finzione presa in prestito dalla vita in cui la figlia adottiva va alla ricerca della verità.

Come nei film precedenti, la famiglia è una struttura complessa che si sfalda strato dopo strato, come una cipolla, tra silenzi, segreti, principi etici che non hanno più senso, ma senza la via di fuga che Alcarrás offriva, ad esempio, con il mondo del lavoro in fattoria. In questo caso, Carla Simón parte da una struttura cinematografica che si basa sulle date ed è datata. Nel film si possono sentire le pagine della sceneggiatura che vengono voltate.

Ma torniamo alle questioni identitarie non scontate nella storia dell'opera di Hermanus, recuperando un film proiettato nei primi giorni del festival che potrebbe valere per la giuria in termini di interpretazioni femminili: La petite dernière , diretto dalla nota attrice francese di origine maghrebina Hafsia Herzi (la potremo vedere prossimamente nelle sale in Il prigioniero di Bordeaux , al fianco di Isabelle Huppert). Tratto dall'omonimo romanzo di Fatima Daas, è la storia di una ragazza di 18 anni, un po' maschiaccio, che vive in una casa di donne di origine algerina: la madre, le zie, le sorelle. Fatima si sente attratta da altre donne, dati i conflitti familiari che una simile scelta comporta per una giovane lesbica musulmana. Si innamora di una ragazza franco-coreana, ulteriore riflesso dell'immigrazione in Francia. La petite dernière è limitata sul piano artistico, ma è all'altezza della realtà che ritrae, nella sua modestia, nella sua storia di apprendimento sull'amore e sul sesso, nel suo invito alla tolleranza e all'inclusione.

Per quanto riguarda le attrici-registe, Cannes ne ha nominate due, con risultati molto diversi. Eleanor the Great , che racconta la storia di una donna ebrea americana novantenne (interpretata da June Squibb) che si trasferisce a New York per stare con la figlia dopo la morte dell'amica con cui ha condiviso sette decenni, è un film discreto sul dolore di un'altra persona che Scarlett Johansson non è in grado di sentire o sintetizzare a livello drammatico. L'attrice fallisce il suo primo passo nella regia.

The Chronology of Water , con Imogen Poots, racconta l'esistenza tormentata di Lidia, traumatizzata durante l'infanzia dagli abusi dei genitori, ed è un film frenetico e incalzante incentrato su un personaggio con una propensione all'autodistruzione fin dalla sua giovinezza negli anni '60 e '70. Kristen Stewart ha adattato in modo unico le memorie di Lidia Yuknavitch. Ha fatto quello che voleva, come voleva, ha sperimentato, ha frammentato una biografia in pezzi. Il risultato è sorprendente.