Kreatywni kształtujący kulturę w 2025 r.

W 2025 r. są to głosy, które trzeba znać, kształtujące kulturę i sztuki performatywne. Ich talent to legenda; są prawdziwymi znawcami swojego rzemiosła. Ta dziewiątka wizjonerów wydała albumy nagrodzone Grammy; występowała w niemal każdej głównej sali koncertowej i przed wypełnioną publicznością na scenie; zdobyła rekordowe nominacje do nagrody Tony; zdobyła tytuły mistrzowskie; i stała się pierwszą, która przełamała bariery w swoich dziedzinach. Mają tysiące obserwujących, stają się popularni, doskonalą swoje umiejętności z wymarzonymi współpracownikami i dzięki temu wyznaczają nowe kursy dla siebie, dla swojej sztuki i dla świata.

Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej o ich podróżach, inspiracjach, rytuałach i występach, których nigdy nie zapomną.

Julia Bullock nie boi się iść własną drogą. Gwiazda opery, która niedawno zdobyła nagrodę Grammy za najlepszy klasyczny solowy album wokalny za swoją EP-kę Walking in the Dark, obrała nietypową drogę, aby osiągnąć najwyższe szczyty w świecie opery. Dorastała w St. Louis w stanie Missouri i pierwotnie chciała zająć się teatrem muzycznym. Ale odkryła muzykę klasyczną dzięki ojcu, który puszczał jej swoje ulubione operowe DVD i nagrania oraz zainspirował jej karierę. Bullock zadebiutowała w Metropolitan Opera w El Niño w 2024 roku, a publiczność z niecierpliwością czeka na jej powrót do Met w nadchodzącej produkcji Antoniusza i Kleopatry.

Na występie, którego nigdy nie zapomni

Mój debiut w Carnegie Hall w Stern Auditorium. Poczułam dziedzictwo wszystkich występów i wykonawców, którzy byli tam przede mną — historia była namacalna. To miejsce zachęciło mnie do śpiewania. Miałam na sobie złotą suknię z lamy z tym pięknym zdobieniem w postaci liści. Czułam, że to miejsce jest dla mnie.

O jej związku ze znaną śpiewaczką operową Renée Fleming

Renée była naprawdę inspirująca, zarówno słuchając jej i oglądając, ale także w moich osobistych rozmowach, które z nią odbyłem. To jedne z najważniejszych rozmów w moim życiu, jeśli chodzi o negocjacje osobiste i zawodowe.

O jej wpływach

Naprawdę pociągają mnie śpiewacy soulowi, czyli wszyscy, którzy byli znakomitymi interpretatorami swoich materiałów. Byli dla mnie wielką inspiracją. Wiedzą, jak przekazywać teksty; rozumieją też przesłanie utworów, które śpiewają — nie unikają ich. Trening Bel Canto [stylu wokalnego] to jedna z radości. Nie tylko uwalnia moje ciało w danej chwili, ale pozwala mi utrzymać siebie w taki sposób, abym mógł się dalej rozwijać. Buduję życie w muzyce, a nie tylko dążę do jednego wspaniałego występu.

W wieku 37 lat Khatia Buniatishvili jest już jedną z najbardziej szanowanych pianistek na świecie, występując w niemal każdej głównej sali koncertowej na świecie. Urodzona w Batumi w Gruzji i wychowana w stolicy Tbilsi, Buniatishvili mówi, że muzyka była „sposobem na przetrwanie” dla niej i jej rodziny podczas dwóch wojen, których doświadczyła. Jej pierwszy występ z Tbilsi Chamber Orchestra miał miejsce, gdy miała zaledwie 6 lat; później studiowała w Wiedniu, zanim eksplodowała na scenie międzynarodowej. Teraz Buniatishvili jest ambasadorką Cartier i współpracowała z takimi artystami jak Coldplay. Niedawno wydała album zatytułowany Mozart i zamierza powrócić do Carnegie Hall w kwietniu przyszłego roku na solowy występ.

O tym, jak nasyca swoje występy emocjami

Kiedy jesteś na scenie, ważne jest, aby dać z siebie wszystko w danej chwili. Zawsze mówię, że kiedy jestem na scenie, to tak jakbym był emocjonalnie nagi, ponieważ nie możesz ukryć się za muzyką. Muzyka budzi wszystkie emocje i uczucia, które masz. Mówię, że każdy koncert jest jak mój ostatni koncert, ponieważ chcę przeżyć go w pełni.

O wpływie kontra inspiracja

Wpływ jest czymś innym niż inspiracja. Mam wiele inspiracji, ale naprawdę staram się unikać wpływów, ponieważ myślę, że sztuka jest o indywidualizmie. Musisz mieć swój własny sposób czytania, ale także jeśli masz wpływ, to jest to jak kradzież od kogoś.

O jej rytuale przed występem

Lubię się zdrzemnąć. Twój mózg musi być naprawdę w dobrej formie, a kiedy nie śpisz wystarczająco dużo, musisz [bardziej się koncentrować]. Poza tym, zanim wyjdę na scenę, kiedy mam wokół siebie ludzi, których kocham, zdecydowanie ich przytulam, zanim wejdę na scenę. W przeciwnym razie ostatnią rzeczą, jaką robię, jest patrzenie w lustro i myślenie o tym, co zobaczę. Widzę w swoich oczach, że to jest moja tożsamość i to przypomina mi, że muszę być uziemiona. [Lubię] ogromną reakcję publiczności, ale to nie jest najważniejsze. Chodzi bardziej o to, skąd pochodzisz, kim jesteś. Połączenie z wewnętrznym dzieckiem, które możesz zobaczyć w swoich oczach, pomaga ci się uziemić.

Jako dyrektor artystyczny serii koncertów Encores! w New York City Center, Lear deBessonet kierowała kilkoma produkcjami, które trafiły na Broadway. To marzenie dla kogoś takiego jak ona i ma nadzieję, że będzie się dalej rozwijać, przechodząc do Lincoln Center Theater w tej samej roli. Jest pierwszą kobietą odpowiedzialną za programowanie w historii centrum sztuk performatywnych i zastępuje André Bishopa, który kierował organizacją od 1992 roku. DeBessonet jest również założycielką Public Works w Public Theater, gdzie pełniła funkcję dyrektora rezydenta w latach 2012-2020. Ma rozpocząć swoją kadencję od przeniesienia na Broadway swojej dobrze ocenianej produkcji Encores! Ragtime . „Miałam okazję zobaczyć oryginalną produkcję Ragtime ” — mówi. „To był jeden z pierwszych spektakli, jakie widziałam na Broadwayu i zmienił moje wyobrażenie o tym, co jest możliwe w teatrze”.

O tym, jak jej rodzinne miasto, Baton Rouge, wpłynęło na jej rzemiosło

Nie dorastałem z dużą ekspozycją na profesjonalny teatr, ale w pewnym sensie sama kultura — samo życie — było bardzo teatralne [w Baton Rouge] między Mardi Gras, meczami futbolowymi i kościołem. To było jak kolor, muzyka, spektakl. Międzypokoleniowe spotkanie, które ma miejsce wokół sztuki tam i które ma miejsce podczas Mardi Gras, było dla mnie niezwykle kształtujące. To sedno mojej teatralnej istoty — wiara w muzykę, kolor, historię i społeczność.

O jej inspiracji

W świecie teatru powiedziałbym, że ludzie tacy jak Hal Prince [reżyser i kompozytor] i Bartlett Sher [reżyser i producent wykonawczy Lincoln Center Theater], z którymi obecnie współpracuję, ale także bardziej globalne wpływy, takie jak międzynarodowa praca [reżysera i filmowca] Petera Brooka. Ale mam też wiele wpływów spoza teatru. Jestem prawdziwym wielbicielem ceremonii otwarcia igrzysk olimpijskich i chętnie przeanalizowałbym wszystko, co kiedykolwiek się wydarzyło w którejkolwiek z nich. Bardzo interesują mnie parady i organiczne momenty, w których społeczność gromadzi się wokół opowiadania historii.

W jednym z jej programów, który na nią wpłynął

Reżyserowałem nową adaptację muzyczną The Tempest w The Public. To był mój pierwszy występ Public Works i mieliśmy na scenie 200 osób, a także pięciu aktorów z Broadwayu, w tym Norma Lewisa i Laurę Benanti. Mieliśmy też perkusistów, chór gospel, orkiestrę maszerującą i wykorzystaliśmy wszystkie te artystyczne bogactwa, aby opowiedzieć historię. Dla mnie był to decydujący moment, ponieważ było to jak egzotyczny sen, który naprawdę się wydarzył. Tak wiele osób mówiło mi, że to niemożliwe.

Issac Hernández jest pierwszym meksykańskim tancerzem American Ballet Theatre (ABT). Dorastał w Guadalajarze, w rodzinie z 11 dziećmi, a swoich umiejętności nauczył się od ojca, który również był tancerzem. Kiedy skończył 12 lat, pojechał do Filadelfii na stypendium taneczne, zanim przeprowadził się do Nowego Jorku i wziął udział w ABT Summer Intensives. Następnie tańczył między innymi w San Francisco Ballet, otrzymując cenioną nagrodę Prix de Benois de la Danse w 2018 roku. Przez ostatnie 12 lat produkował pokaz taneczny w National Auditorium w Mexico City, gromadząc tancerzy z całego świata, aby wystąpili przed publicznością liczącą 10 000 osób. „Zawsze starałem się wrócić do Meksyku i zrobić coś ze sceny tanecznej tutaj”, mówi. „Chciałem przedstawić ballady innemu typowi publiczności i zyskać nowych fanów w Meksyku”. Ma również zagrać w filmie Dreams z Jessicą Chastain tej jesieni.

O jego wpływach

Mój tata był moim nauczycielem baletu, więc tak naprawdę [odziedziczyłam] moją pasję po nim. Dorastając, rozmawialiśmy o złożonych problemach i bardzo pasjonowałam się polityką, historią i postaciami, które dokonały niezwykłych rzeczy. Jak Einstein i Chaplin, i wszyscy ci niesamowici ludzie, którzy mieli wizję i pracowali bardzo niewiele, aby stworzyć coś niezwykłego ze swojego życia.

Dlaczego balet budzi takie emocje u ludzi

Taniec jest tak istotną częścią ludzkiej więzi. To uniwersalny język i coś, co nas łączy. Rzadko zdarza się poświęcić czas, aby zobaczyć piękno ożywające na twoich oczach i mieć to wspólne doświadczenie jako społeczność.

W jego ulubionym miejscu występów

Narodowe Audytorium w Mexico City jest niesamowicie ekscytujące, ponieważ jest to miejsce na 10 000 miejsc. To coś, czego nigdy wcześniej nie doświadczyłem nigdzie indziej na świecie. A ze względu na publiczność — to ludzie, którzy śledzą moją karierę odkąd miałem 8 lat. Naprawdę miałem wpływ na społeczność w Meksyku, więc zawsze jest to niesamowicie wyjątkowe. Mogę mieć tam swoją rodzinę i mogę organizować wieczór i doświadczenie dla 10 000 osób. Kiedy wszystko się układa, jest to ekscytujące — wydaje się, że nie przypomina niczego innego, czego [kiedykolwiek] doświadczyłem.

Joana Mallwitz zaczęła wcześnie. Dyrygentka zaczęła grać na pianinie w wieku trzech lat, a na skrzypcach w wieku pięciu lat. Jako dziecko w niemieckim Hildesheim tworzyła muzykę ze swoimi przyjaciółmi, ale dopiero w wieku 13 lat, gdy uczęszczała do akademii muzycznej w Hanowerze, odkryła swoją miłość do muzyki symfonicznej i opery. Obecnie Mallwitz jest głównym dyrygentem i dyrektorem artystycznym Konzerthausorchester Berlin — pierwszą kobietą, która poprowadziła jedną z głównych orkiestr berlińskich. Podróżuje również po świecie i obecnie dyryguje Weselem Figara Mozarta w Metropolitan Opera House.

Dlaczego młodzi ludzie powinni chodzić do opery

Idź raz. Kiedy ktoś idzie do opery lub na symfonię po raz pierwszy, czasami zdarza się magia, kiedy nuty trafiają prosto w serce. Zawsze wracają, ponieważ nie można naprawdę wyjaśnić, co się tam dzieje. To bardzo emocjonalne i fizyczne doświadczenie. Kiedy perkusja i smyczki zaczynają grać, mamy wszystkie te piękne fale dźwięku w całym pomieszczeniu. Przechodzą przez ciebie. Śpiewacy operowi mają głosy, które wypełniają ogromne sale. To również doświadczenie, które masz z wieloma ludźmi. Każdy, niezależnie od dnia i pochodzenia, przechodzi przez to intensywne coś razem. To coś, czego nie znajduję nigdzie indziej.

O jej największym wpływie

Leonard Bernstein. Nigdy go nie spotkałem, ale jest muzykiem . Jest tak pełen muzyki, a wszystko, co robi, wydaje się takie naturalne, ale widzę, że to nie tylko instynkt. Oczywiście, że ciężko się uczył, ale to przechodzi przez jego głowę do serca i do ciała. Następnie uwalnia muzykę. Ma ten piękny sposób łączenia się z ludźmi, czy to z dziećmi, czy z ludźmi, którzy po prostu są, wnosi swój entuzjazm do każdego.

W najlepszym miejscu, w jakim kiedykolwiek dyrygowała

Metropolitan Opera House jest całkiem niesamowity, ponieważ jest ogromny i pełen przepychu, ale za kulisami panuje tam rodzinna atmosfera. Wszyscy ściśle ze sobą współpracują i troszczą się o siebie nawzajem. Muszę też powiedzieć, że Konzerthausorchester Berlin — to mój artystyczny dom i kocham go. Jestem tam z moją orkiestrą i to jest dla mnie najbardziej magiczne miejsce. Mój koncert inauguracyjny w 2023 roku był jak Boże Narodzenie. Mieliśmy trzy dni prób, a potem musieliśmy pokazać światu, co robimy i dokąd zmierzamy. Cała sala trzęsła się od wybuchowej energii i ciekawości. Na koniec wszyscy stali, a energia była niesamowita. Na zawsze zachowam to w swoim sercu.

Chloe Misseldine nigdy nie myślała, że ​​zostanie awansowana na główną tancerkę na scenie. Nigdy wcześniej nie zdarzyło się to w historii ABT. A potem, podczas ukłonów po niezapomnianym występie Jeziora łabędziego 3 lipca 2024 r., stało się to — stała się viralem na TikToku, a jej emocje były namacalne dla wszystkich. Dla Misseldine, która ma powtórzyć swoją rolę w Jeziorze łabędzim tego lata, balet jest sprawą rodzinną. Jej mama była solistką w ABT i nauczyła Misseldine tańca w swoim rodzinnym studiu w Orlando na Florydzie. Jako dziecko zakładała baletki swojej mamy i tupała po domu — teraz dosłownie podąża śladami swojej mamy.

Dlaczego balet może trafić do młodszego pokolenia

Balet to piękna forma sztuki, która zmienia się każdego dnia. Ewoluuje. Taniec to kolejny sposób na wyrażanie emocji. Gdyby młodzi ludzie przyszli na balet, myślę, że poruszyłby ich w sposób, którego by się nie spodziewali. Jestem zawodową tancerką, ale nadal chodzę na balet, czy to do mojej firmy, czy do innych firm, żeby oglądać moich kolegów. To naprawdę może do ciebie przemówić na różne sposoby, bez twojej wiedzy, i buduje dla mnie inspirację.

O jej inspiracji

Moja mama jest moją największą inspiracją. Była moją skałą i światłem przewodnim przez całą moją karierę. Jest również moją najlepszą przyjaciółką. Mogę z nią porozmawiać o wszystkim. Pochodzi z Szanghaju i przeprowadziła się do USA, gdy była młodą dorosłą osobą. Nie mówiła po angielsku, a obserwowanie, jak radzi sobie w życiu, jest dla mnie bardzo inspirujące.

O jej wpływach

Natasza Makarowa to rosyjska baletnica, która odeszła i trafiła do ABT. Jest niesamowita — jedna z moich największych inspiracji. Również Gelsey Kirkland, która również była w ABT. Jej etyka pracy i poświęcenie są niesamowite.

Kiedy dorastał, dwukrotny zdobywca nagrody Tony i rezydent New York City Ballet, choreograf Justin Peck, przyjeżdżał z San Diego do Nowego Jorku każdego lata z ojcem, aby oglądać przedstawienia. Podróże te rozbudziły w nim pasję do rzemiosła, co ostatecznie skłoniło go do otworzenia firmy w Nowym Jorku, aby całkowicie poświęcić się tańcowi. Praca Pecka z NYC Ballet zyskała szerokie uznanie krytyków. Zdobył również nagrody Tony za choreografię w wznowieniu Carousel w 2018 roku oraz za Illinoise , musical na Broadwayu zainspirowany albumem Sufjana Stevensa o tym samym tytule. Teraz Peck jest w gronie kandydatów do nagrody Tony po raz trzeci, dzięki nominacji, wraz z Patricią Delgado, za choreografię w Buena Vista Social Club.

O pracy, z której jest najbardziej dumny

Słuchałem wywiadu na temat tego, jaki rodzaj pracy definiuje istotę bytu i musiałbym wybrać Illinoise . To hołd dla wszystkich moich wpływów i inspiracji od najmłodszych lat. Tak wiele z tego dotyczy społeczności, co jest tematem, który zawsze pojawia się w mojej pracy. Zawsze starałem się znaleźć własne poczucie społeczności, więc akt budowania pokazu lub tańca wydaje się namacalnym sposobem na dotarcie do niego. Łączy nie tylko obsadę i zespół kreatywny, ale [również] publiczność [może] być jego częścią. Jestem dumny z tej pracy i zdumiony tym, jak stała się tym, czym była.

Dlaczego taniec jest ważny

Taniec jest wyrazem podświadomości i odwołuje się do czegoś mniej poznawczego. W kompozycji tanecznej jest wiele logiki, ale rodzaj emocji, który przez nią przechodzi, jest czymś głębszym. Nie można tego wyrazić słowami. Są w niej elementy, które wyrażają poczucie połączenia, więzi, społeczności i piękna. To jedna z tych rzadkich i wyjątkowych form sztuki, którą trudno zrozumieć ludziom, ale gdy jest dobrze, jest to jedna z najgłębszych rzeczy, jakich ktoś może doświadczyć.

O utworze muzycznym, który kocha i który zaskoczyłby ludzi

„Pink Pony Club” Chappell Roan. Uwielbiam cały ten album. To jeden z tych albumów, w których po prostu myślę sobie: „Kurczę, to wszystko jest po prostu takie dobre”.

Hayato Sumino nigdy nie spodziewał się, że ludzie w jego wieku zakochają się w muzyce klasycznej, ale jego kanał na YouTube udowodnił mu, że się mylił. Urodzony i wychowany w Japonii, 29-letni gwiazdor, który ma prawie 1,5 miliona subskrybentów na YouTube, pierwotnie poszedł na studia, aby studiować informatykę. W wolnym czasie łaskotał klawisze, a następnie podczas pandemii COVID-19 zaczął przesyłać filmy na YouTube. Sumino jest teraz znany z włączania improwizacji jazzowej do swoich klasycznych setów i ma zadebiutować w Carnegie Hall tej jesieni, gdzie zagra Chopina, Kapustina i niektóre ze swoich oryginalnych utworów.

O jego nadchodzącym debiucie w Carnegie Hall

Przeprowadziłem się do Nowego Jorku dwa lata temu. Wtedy nie miałem żadnych zobowiązań w Ameryce — chciałem po prostu przeprowadzić się do Nowego Jorku, aby zrobić większą karierę za granicą. Oczywiście, koncert w Carnegie Hall był jednym z moich największych celów. Nie spodziewałem się, że nastąpi to tak wcześnie, ale jestem tak szczęśliwy.

O rytuałach przed występem

Staram się nie mieć rytuałów, bo czasami nie mogę czegoś zrobić. To, co robię, to po prostu ćwiczę tak dużo, jak to możliwe, rozgrzewam ręce i biorę tabletki na kaszel.

Na jego kanale na YouTube

Nigdy nie spodziewałem się, że mój kanał stanie się popularny. Po prostu założyłem go dla zabawy, kiedy byłem w szkole. Mój pierwszy film nie był nawet występem na fortepianie — grałem w gry wideo. To było całkowicie przypadkowe, ale jakoś stawało się coraz większe, szczególnie podczas COVID, ponieważ moje koncerty zostały odwołane lub przełożone, [i] wszyscy musieliśmy zostać w domu. Postanowiłem skupić się na tworzeniu treści na YouTube w tym czasie. To było całkiem fajne. Mogłem robić, co chciałem, obejmując dowolne utwory. W pewnym momencie zacząłem też przesyłać muzykę klasyczną. Na początku nie spodziewałem się, że będzie miała wiele wyświetleń, ponieważ jest tak ograniczona, ale ostatecznie przyciągnęła dużo uwagi.

Kara Young jest rekordzistką największej liczby kolejnych nominacji do nagrody Tony dla czarnoskórego artysty. Jej pierwsza nominacja miała miejsce w 2022 r. za Clyde’s , po której nastąpiła nominacja za The Cost of Living z 2022 r.; następnie wygrała za rolę w wznowieniu Purlie Victorious z 2023 r. . W tym roku ponownie ubiega się o nagrodę — tym razem za rolę Azizy w Purpose Brandena Jacobsa-Jenkinsa. Young uważa, że ​​Harlem, gdzie się urodziła i wychowała, był dla niej inspiracją do pracy. To właśnie w tej dzielnicy odkryła swoją miłość do sztuk performatywnych, biorąc udział w zajęciach dodatkowych z tańca i aktorstwa w szkole. Zapisała się na studia, ale po porywającym występie improwizacyjnym, który doprowadził publiczność do łez, rzuciła szkołę i poświęciła się aktorskim marzeniom na pełen etat. Dziś jest już na stałe wpisana w historię nagród Tony.

O udziale w tegorocznej Met Gali

To był jeden z tych kultowych momentów w historii i modzie czarnoskórych — hołd dla wielu przed nami i gigantów, na których stoimy. Jako osoba urodzona i wychowana w Harlemie, wystawa [ „Superfine: Tailoring Black Style” ] wywołała u mnie absolutne dreszcze. Chcę tam wrócić trzy, cztery lub pięć razy.

O jej wybitnym występie

W 2017 roku wystawiłem tę sztukę zatytułowaną Syncing Ink . Najpierw była wystawiana w Alley Theater [w Houston], a potem skończyliśmy na późniejszej produkcji w Flea Theater [w Nowym Jorku]. Oddawała hołd hip-hopowi i przodkom, i była jedną z tych sztuk, które nie były sztuką, ale doświadczeniem. Było to tak wymagające, ponieważ musiałem być całkowicie otwarty i podatny na wpływy, ponieważ sztuka była bardzo interaktywna z publicznością. Ostatecznie ludzie przychodzili z całego świata, żeby zobaczyć tę sztukę w teatrze z 99 miejscami. To było absolutnie szalone.

Dlaczego teatr jest ważny

Na tym świecie jest tak wiele podziałów między rasą, klasą, płcią i innymi. Próbujemy wcisnąć ludzi w ich ramy. Teatr jest jednym z niewielu miejsc, gdzie spotykają się ludzie ze wszystkich środowisk. Wszyscy w różnym wieku, wszyscy rasy, siadają razem na trzy godziny i słuchają sztuki. Wczoraj wieczorem [podczas naszego występu Purpose ], było dla mnie tak szalone, że Angela Bassett i Daniel Kaluuya siedzieli w tym samym teatrze, największe gwiazdy, z ludźmi, którzy mogliby zapłacić za bilet za 45 dolarów. To tworzy takie zjednoczenie uderzeń serc i przypomnienie, że wszyscy jesteśmy ludźmi. W Purpose Brandon [Jacobs-Jenkins, pisarz] kładzie tak wiele dla nas. Nie ma jednej rzeczy, po której możesz wyjść i powiedzieć: „O to właśnie chodzi”. Chodzi o tak wiele rzeczy, a to, że wszyscy jesteśmy razem, pochylając się — to jest teraz rewolucyjne.