Geografia duchowa współczesnego człowieka

Najnowszy film Joachima Triera, Sentimental Value (Affeksjonsverdi), który bada kino jako głęboką i transformacyjną formę sztuki, został przyjęty 19-minutową owacją na stojąco na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2025 r. Ta niezwykła reakcja była odzwierciedleniem dojrzałości filmowej i głębi emocjonalnej Triera. Jednakże te silne reakcje mają swoje korzenie w jego filmografii, szczególnie w Trylogii Oslo. Jeśli istnieją filmy pokazujące, że kino może być nadal skuteczne na poziomie intuicyjnym, intelektualnym i duchowym, to są to: Reprise, Oslo, 31 sierpnia i Najgorszy człowiek na świecie. Filmy Trewiru przemawiają językiem filmowym , który pogłębia egzystencjalne pytania czytelnika, zamiast bezpośrednio na nie odpowiadać. Przed obejrzeniem nowego filmu reżysera warto na krótko powrócić do Trylogii Oslo.

ZWYCIĘSTWO KINA EMOCJONALNEGO

Filmy Triera należy czytać jako dzieła zmuszające widza do zadawania sobie tych pytań w kontekście jego własnego świata wewnętrznego, zamiast udzielać bezpośrednich odpowiedzi na pytania egzystencjalne. Być może dlatego w świecie akademickim i krytycznym może być ono czasami uważane za „trudne”. Prawda jest jednak taka, że ​​Trylogia Oslo Trewiru to potężne dzieła sztuki dotyczące psychiki współczesnego człowieka. Trylogia przedstawia trzy różne etapy życia sportretowane przez Andersa Danielsena Lie. Każdy film skupia się na innym okresie życia: Powtórka: Idealizm i rozczarowanie lat 20. Oslo, 31 sierpnia: Egzystencjalne dylematy osób po trzydziestce. Najgorsza osoba na świecie. Poszukiwanie sensu życia po czterdziestce. Wszystkie one odzwierciedlają kryzys, z którym wszyscy się mierzymy, zmagając się z tożsamością, oczekiwaniami wobec sukcesu i normami społecznymi narzucanymi przez współczesny świat: alienację. Na pierwszy rzut oka może się wydawać, że bohaterowie Triera zmagają się z problemem „uprzywilejowania”. Osoby introwertyczne doświadczające kryzysów egzystencjalnych w zamożnym społeczeństwie Europy Północnej. Jednakże ta powierzchowna interpretacja nie oddaje głębi psychologicznej filmu.

IDEALIZM I ROZCZAROWANIA

Jako pierwszy film z trylogii, „Powtórzenie” umiejętnie podważa zawiłe relacje między literaturą i kinem. Film opowiada historię młodych, ambitnych pisarzy, Philipa i Erika, którzy próbują zaistnieć w świecie literatury, eksplorując cienką granicę między kreatywnością, szaleństwem i sukcesem. W tym filmie Trier podąża śladami mrocznych geniuszy literatury nordyckiej, takich jak Thomas Bernhard i Knut Hamsun. Załamanie psychiczne Phillipsa pokazuje w szczególności, jak twórcze zmagania pisarza mogą przerodzić się w osobistą tragedię. Cięcia, retrospekcje i ujęcia poklatkowe w filmie odzwierciedlają chaotyczną energię młodości, a jednocześnie podkreślają kruchość pamięci. Ostatnia część trylogii, Najgorsza osoba na świecie, bada sprzeczności współczesnego feminizmu przez pryzmat postaci kobiecej Julie. Julie, mająca niewiele ponad 30 lat, jest postacią rozdartą między karierą, miłością i macierzyństwem. W tym filmie Trier pokazuje, jak kobieca wolność „robienia wszystkiego” tak naprawdę przeradza się w nowy rodzaj lęku. Zwłaszcza w swoim związku z Akselem wywraca do góry nogami dynamikę relacji damsko-męskich. Aksel pyta Julie: „Czy jestem statystą w twoim życiu?” Pytanie jest uderzającym badaniem równowagi sił w związkach. Niezapomniana scena filmu o skutkach ubocznych pigułek antykoncepcyjnych pokazuje również, jak ciało kobiety stało się polem walki politycznej.

Psychoanalityczna teoria filmu jest niezbędna do zrozumienia kina Triera. Ponieważ reżyser umiejętnie wymierza odległość między wewnętrznym światem swoich bohaterów a rzeczywistością zewnętrzną i zaprasza widza do tej przestrzeni pomiędzy, do doświadczenia, które oscyluje między świadomością a nieświadomością. Słowa nie wystarczą, aby wyrazić mój podziw dla drugiego filmu z trylogii. Poruszająca relacja z Oslo, 31 sierpnia, stanowi w tym kontekście kamień milowy. 24-godzinna podróż narkomana Andersa po opuszczeniu ośrodka rehabilitacyjnego jest walką na śmierć i życie, zarówno fizycznie, jak i duchowo.

MELANCHOLICZNA ATMOSFERA OSLO

Kamera podchodzi do świata Andersa chłodnym, ale jednocześnie przenikliwym spojrzeniem. Zimne ulice Oslo zderzają się z chaosem i ciszą panującymi we wnętrzu świata Andersa. W filmie takie detale filmowe, jak życzenia Andersa i myśli osób wokół niego, które stają się słyszalne, gdy siedzi w kawiarni, są nie tylko arcydziełami techniki; Są to pomosty psychologiczne celowo zaprojektowane tak, aby widzowie mogli wczuć się w postać. Z drugiej strony motyw, który otwiera kurtynę na początku filmu i zamyka kurtynę na końcu; Symbolizuje tragedię istnienia, gdy życie i nadzieja otwierają się na chwilę, a potem rozpływają się w ciemności. Monologi Andersa o jego rodzinie i późniejsze przesuwanie kamery po pustych, szarych ulicach Oslo stanowią poetycką refleksję nad unicestwieniem bohatera, a także nad samotnością człowieka i jego odczuciami we współczesnym społeczeństwie. Kryzys Andersa nie jest jego osobistą porażką; jest duchowym kryzysem naszych czasów. Tutaj słyszymy, jak Kierkegaard pyta: „Gdzie jestem? Czym jest ta rzecz zwana światem? Kto mnie wciągnął w nią, a teraz tam zostawia? Kim jestem?” pytania nabierają zupełnie innego znaczenia.