Viena, Berlim ou Amsterdã: Qual é a melhor orquestra do mundo?

Na cultura, assim como no esporte, há um desejo generalizado por superlativos: quem é o pianista mais virtuoso, quem é o cantor mais convincente, quais conjuntos estão na vanguarda dos grandes concertos das principais orquestras internacionais? Essas perguntas têm um caráter lúdico, pois todos sabem que tais rankings são apenas instantâneos e que preferências, influências iniciais, modas e tradições também desempenham um papel nas respostas.

Além disso, as comparações geralmente são difíceis, já que os candidatos ao título honorário de Melhor Artista ou Melhor Conjunto raramente se apresentam no mesmo local e em locais próximos. No Festival de Lucerna, porém, é exatamente isso que acontece todo verão; a competição entre os melhores dos melhores é uma constante aqui há anos. E assim, no KKL Concert Hall, você pode realmente decidir por si mesmo, com os ouvidos atentos, quem merece a coroa.

Na semana passada, três das principais orquestras da Europa se revezaram no KKL, por assim dizer. E todas as três são regularmente apontadas como candidatas ao trono em pesquisas de revistas especializadas, bem como em discussões entre os frequentadores de concertos.

Em Lucerna, o programa começou com a Orquestra Concertgebouw de Amsterdã, que apresentou dois concertos com seu futuro maestro, Klaus Mäkelä – o finlandês de quase 30 anos é considerado uma estrela em ascensão na indústria. Em seguida, a Filarmônica de Berlim, com duas noites sob a regência de seu atual maestro, Kirill Petrenko, que há muito tempo saiu da sombra de seus grandes antecessores, Simon Rattle e Claudio Abbado. E, por fim, a Filarmônica de Viena, também com dois programas nos quais a orquestra, que tradicionalmente opera sem um maestro titular permanente, colaborou com Franz Welser-Möst, ex-diretor musical da Ópera de Zurique.

O cenário para todos os seis concertos é estritamente clássico; não há formatos inovadores, nem experimentos de qualquer natureza. Pode-se criticar isso, mas neste caso, na atmosfera de alta altitude desses concertos, parece irrelevante; dentro da estrutura do que já foi testado e aprovado, trata-se de uma questão de refinamentos finais. E é precisamente a comparabilidade da constelação que confere ao encontro de cúpula das principais orquestras do Festival de Lucerna seu apelo especial.

Então, qual é atualmente a melhor orquestra do mundo?

Se tradição e cultura sonora fossem a única consideração, a escolha rapidamente recairia entre Amsterdã e Viena. O Concertgebouw encanta com seu som sombrio, terroso e quente; ainda se pode ouvir muito do chamado som misto da era romântica, em que todos os instrumentos se misturam harmoniosamente, permanecendo reconhecíveis como toques de cor individuais. Após fases mais fracas nos últimos anos, durante as quais a orquestra emblemática holandesa ameaçou perder justamente essa estética sonora característica, ela agora retornou à sua tradição original de tocar. Sob a direção de Mäkelä, a orquestra também toca com uma precisão técnica notavelmente maior.

Em Lucerna, porém, o conjunto de Amsterdã encontrará um conjunto que ostenta todas essas qualidades – e mais uma crucial: o som de cordas singularmente luminoso e completo da Filarmônica de Viena, que continua sendo a referência entre as orquestras sinfônicas clássicas – e isso não é coincidência, já que seus membros têm acesso a um conjunto de instrumentos particularmente valiosos. Na KKL, essa qualidade sonora é exemplificada na execução da 9ª Sinfonia de Anton Bruckner. Mesmo nas passagens mais altas, Franz Welser-Möst mantém um equilíbrio entre os metais, tão requisitados, e os violinos, evitando assim o temido zumbido monocromático ao qual orquestras menores são propensas, especialmente com Bruckner.

Em contraste, o som geral da orquestra de Berlim parece mais neutro, menos saturado com a tradição histórica de execução. Percebe-se como a orquestra de elite alemã foi afinada para precisão por Simon Rattle e agora por Petrenko. O preço disso é uma certa frieza e compacidade sonora, que ocasionalmente torna o tutti concentrado áspero. No entanto, a execução da 9ª Sinfonia de Gustav Mahler também revela o calibre excepcional dos músicos, muitos dos quais, como o flautista genebrino Emmanuel Pahud, também seguem carreira solo. Todos os problemas técnicos recuam para segundo plano; parecem quase inexistentes, mesmo na execução excepcionalmente sutil do conjunto — e isso significa muito, especialmente considerando as partituras terrivelmente exigentes de Mahler.

Na Nona, como na Primeira de Brahms na noite anterior, isso leva a um fenômeno fascinante: em vez de lutar com os desafios do material, como se ouve ocasionalmente no Concertgebouw na leitura meticulosa de Mäkelä da Quinta de Mahler, os berlinenses conseguem se concentrar a todo momento nas nuances mais sutis da expressão. Nada aqui parece meramente superficialmente carregado de paixão romântica; em vez disso, a emoção é habilmente dosada e, portanto, sublimada. Isso leva a uma maior coerência, um sentimento disto e de nenhum outro, que, no entanto, nunca corre o risco de se congelar na beleza; pois um fluxo vibrante de energia é sempre palpável, animando cada compasso.

O violinista suíço Christoph Streuli, membro dos segundos violinos, explicou o que significa essa energia especial durante uma perspicaz palestra pós-concerto no KKL: A Filarmônica de Berlim, com sua acústica moderna, exige um esforço mais ativo para realçar os detalhes com detalhes vívidos do que as igualmente famosas salas históricas de seus concorrentes, o Concertgebouw e o Golden Hall no Musikverein de Viena. Essas duas salas são consideradas exemplos primorosos de acústica moldada pelo já mencionado ideal sonoro romântico. Segundo Streuli, isso garante que a música soe muito vívida e rica em substância; portanto, ao contrário da Filarmônica de Berlim, até mesmo ali é necessária uma certa contenção.

Este conselho prático talvez explique o efeito um tanto contraditório das duas apresentações da Filarmônica de Viena como convidada. Enquanto a Nona de Bruckner e a Suíte "Lulu" de Alban Berg se beneficiaram da serenidade e da transparência natural do colorido som orquestral na primeira noite, a contenção foi exagerada no dia seguinte.

A "Praga" de Mozart realmente congela em beleza aqui – como um objeto de museu em uma vitrine. Muito pouco se fala sobre a proximidade de Mozart com o palco, com o canto e seu talento composicional incessantemente inventivo. Isso também pode se dever ao fato de que os vienenses ainda hesitam em adotar insights inovadores da prática performática histórica, como o aprimoramento da articulação ou a formulação retórica de frases. Essa tem sido uma prática padrão há décadas, não apenas em conjuntos com sonoridade de época; conjuntos como a Orquestra Tonhalle de Zurique há muito tempo adotaram esses e outros desenvolvimentos estilísticos. O outrora celebrado estilo vienense de Mozart parece meramente digno em comparação; tornou-se obsoleto.

A interpretação vienense da "Sinfonia Patológica" de Tchaikovsky, por outro lado, é digna de discussão: Welser-Möst alivia a pressão sobre a obra altamente autobiográfica, na qual, segundo uma interpretação comum, Tchaikovsky antecipou sua misteriosa morte poucos dias após a estreia. Esse contexto às vezes pesa bastante sobre a peça. Welser-Möst, portanto, busca um tom mais prático, apresentando a peça com clareza formal e serenidade quase clássica. Momentos-chave, como o batimento cardíaco que se esvai no final, soam, no entanto, muito eloquentes.

No entanto, é também aqui que a diferença crucial em relação à competição de Berlim se torna tangível: enquanto lá, especialmente em Mahler, cada detalhe brilha com paixão interior, os vienenses parecem impassíveis à sua própria produção musical. Às vezes, quase parece que estão se observando tocando – poucas orquestras possuem o domínio técnico para isso. Mas essa abordagem não permite penetrar no cerne emocional da música. Portanto, no geral, na competição de Lucerna entre os principais conjuntos, Berlim sai vitoriosa.