MoMA e a exposição Woven Histories: têxteis e abstração diante de uma ofensiva política

“O Woke está morto. Museus em Washington e em todo o país são essencialmente o último segmento sobrevivente do Woke. Eles discutem o quão horrível é o nosso país... nada sobre o nosso brilhantismo, nada sobre o nosso futuro. Não permitiremos isso . Instruí meus advogados a se envolverem com os museus... Temos o país mais atraente do mundo e queremos que as pessoas falem sobre isso, inclusive nos museus.”

Este tuíte recente de Donald Trump vai muito além de seu combate a ideias que promovem a conscientização sobre desigualdade racial, social e sexual: ele indica que o presidente entende, melhor do que muitos outros, o poder simbólico que um museu constrói quando domina a arte de contar histórias memoráveis ​​para transmitir valor ou conhecimento.

O impacto das ações presidenciais nos museus americanos é desigual. Nos museus públicos, isso levou a demissões controversas e a um realinhamento das práticas curatoriais. Nos museus privados, levou a uma moderação do discurso, especialmente entre aqueles que dependem de financiamento público para projetos específicos. Os museus mais independentes desses altos e baixos são aqueles, como o MoMA (Museu de Arte Moderna de Nova York), que ostentam um fundo multimilionário, resultado de inúmeras doações.

Além dos cancelamentos e excessos, é saudável que os museus reexaminem suas premissas , não apenas sobre raça ou gênero, mas também sobre a própria natureza da arte e suas funções. "Woven Histories: Textiles and Modern Abstraction" , em cartaz no MoMA até 13 de setembro, é um caso bem-sucedido de pesquisa curatorial que visa oferecer novas interpretações da ascensão da arte abstrata e destacar sua relação com a arte têxtil, praticada principalmente por mulheres e, na época, considerada uma arte menor ou aplicada.

Em um mundo devastado pela Primeira Guerra Mundial, artistas de vanguarda buscaram contribuir para a criação de uma sociedade utópica e igualitária. Eles defendiam a experiência estética como um interesse universal. Muitos deles, especialmente mulheres com uma perspectiva interdisciplinar, usaram suas pinturas e desenhos para criar tecidos artesanais e industriais, com o objetivo de trazer beleza a todos os aspectos da vida.

Os construtivistas russos desenhavam roupas . Nas oficinas de tecelagem da Bauhaus , Anni Albers e Gunta Stolzl criaram tecidos para tapeçarias para produção em massa e tapeçarias de parede exclusivas em estilos relacionados.

Tudo isso pode ser visto e admirado nas galerias : é difícil distinguir a obra de Paul Klee (a bela pintura "Fogo ao Entardecer") da de Sophie Taeuber-Arp até que se tornem bordados. O mesmo vale para as pinturas de Josef Albers e Anni Albers, até que as suas se tornem desenhos para toalhas de mesa ou tapeçarias.

Uma vitrine exibe Tapis et Tissus, um portfólio editado por Sonia Delaunay em 1929 que incluía designs de tapetes e tecidos com uma linguagem construtiva, criados por artistas interessados ​​em transmitir suas ideias por meio de produtos de mercado de massa.

Muitos deles emigraram para os Estados Unidos com a ascensão do nazismo ; Anni Albers estabeleceu-se na Carolina do Norte, no Black Mountain College. De lá, liderou um workshop sobre experimentação e produção e um processo de reflexão teórica sobre a função social dos têxteis (onde muito se discutiu sobre suas admiradas peças produzidas pelos povos andinos da América Latina), que influenciaram o mundo inteiro.

Fios, lã, cordas e cabos foram adotados por artistas nova-iorquinos; a arte têxtil começou então a ocupar seu lugar nas artes visuais. As galerias exibem obras da artista colombiana Olga de Amaral, formada na Academia de Arte de Michigan e que posteriormente fundou um ateliê em Bogotá, revivendo antigas tradições andinas; e de Leonore Tawney e Agnes Martin, que fizeram a jornada da pintura à tecelagem juntas em Nova York.

As duas últimas salas são dedicadas a grades e artesanato. Em Grades, Redes e Nós, fileiras e colunas aparecem em todos os suportes imagináveis: uma pintura a óleo de Jack Whitten, uma tapeçaria de Ed Rossbach, um Tikal de Anni Albers, tecidos do venezuelano Gego e construções de aço galvanizado de Ruth Asawa.

Labor (Trabalho) apresenta artistas que refletem sobre a indústria têxtil, alimentada por salários abusivos em economias periféricas e que fomenta o hiperconsumo e a degradação ambiental. Há também Life Wear, peças de vestuário criadas por artistas femininas para serem usadas como forma de expressão.

Os suéteres de Ellen Lesperance são conceitualmente profundos e cheios de humor. A designer espanhola Teresa Lanceta e a argentina-americana Analia Saban combinam técnicas artesanais e industriais em tapeçarias com um forte senso de personalidade.

A exposição é acompanhada por um catálogo impecável que acrescenta reflexão teórica e contexto histórico à sua ideia subjacente: a centralidade da criatividade em nossas vidas, tanto no tapete em que pisamos quanto na parede de um museu.