La fragilité comme art : la nouvelle exposition de Marie Orensanz chez Ruth Benzacar

« Penser est un acte révolutionnaire » , telle est la phrase gravée dans l'acier de cette sculpture face au fleuve, dans le Parc de la Mémoire . Il s'agit d'un espace conçu en mémoire des disparus sous la dictature militaire, où tant de jeunes disparus pour le crime de penser.

Le travail difficile de L'œuvre de Marie Orensanz se compose de deux blocs contigus , tels les pages d'un livre ouvert, obligeant le spectateur-lecteur à déchiffrer un texte délibérément problématisé. Car, bien que simple et direct, rien dans le travail de cette artiste ne l'est. Cela est particulièrement vrai dans la manière dont elle présente les textes, ces fragments de mots qui constituent le cœur de son œuvre. Une façon unique d'intégrer réflexions et approches différentes du sujet.

Si, dans les années 1970 , la phrase inscrite dans son œuvre du Parc de la Mémoire apparaissait déjà dans plusieurs de ses dessins, aux côtés d'autres affirmations utopiques telles que « Le pouvoir créateur est commun à tous », le passage du temps et les circonstances que traverse le monde semblent avoir réorienté sa pensée vers un état de conscience qui l'a conduite à méditer sur la fragilité ; la fragilité des êtres, des choses et des relations. D'où « Fragilité », titre de la nouvelle exposition de l'artiste à la galerie Ruth Benzacar .

Un ensemble d'œuvres qui semble en phase avec une époque où les sujets ne se considèrent plus comme suffisamment forts pour changer le monde. Une époque qui a laissé derrière elle les illusions qui animaient les années 1970, lorsque l'artiste arriva à Paris, et qui résonnaient encore des slogans de « Pouvoir à l'imagination » et « Soyez réalistes, rêvez l'impossible ! » , ces slogans de Mai 68 qui marquèrent la dimension politique que l'art conceptuel prit dans la décennie suivante.

L'œuvre d'Orensanz a été imprégnée et marquée dès ses débuts par cette époque et par la dimension temporelle de son évolution transformatrice. Cette exposition le révèle particulièrement.

Être conscient de notre fragilité. Réfléchir, penser, ressentir. Un mot, une sensation, un instant, une expérience que nous vivons un instant. Où nous allons et comment nous nous protégeons. Ce sont ces réflexions, sous forme de poèmes, qui introduisent le visiteur dans l'univers le plus récent de l'artiste et reflètent une longue série d'expériences vitales, sentimentales et créatives accumulées tout au long de sa vie. Le tout capturé dans un ensemble d'œuvres qui s'inscrivent dans une réflexion sur les différentes manières dont le sentiment de fragilité se manifeste. Curieusement gravées dans l'acier.

Nous allons au-delà de ce que nous voyons… partager notre esprit , c'est ce que nous lisons dans le texte gravé sur deux plans d'acier ouverts comme les pages d'un livre . L'artiste fragmente les phrases pour problématiser leur signification perceptuelle, comme un code à révéler.

Au plafond d'une petite pièce qui présente la forme schématique d'une maison, on peut lire « Trouver des solutions vitales dans l'imagination », une sorte de souffle face aux éléments . Un autre texte ajouré indique « Incertitude », tandis qu'à la base d'une pyramide à degrés, on peut lire : « La force de l'esprit ». On pourrait croire que l'ensemble des œuvres a été délibérément articulé dans une sorte d'équilibre entre espoir et anxiété, manifesté par une esthétique froide et distante. Une empreinte immatérielle, aussi immatérielle que la pensée.

Un petit pont en acier est une autre pièce raffinée de cet ensemble qui attire l'attention et est inévitablement associé au principe du transit. Est-ce là notre condition de vie ?

« Nous sommes de passage », confirme l'artiste. « Nous laissons quelque chose derrière nous, une trace. Minime comparée à tout ce que nous avons vécu. » On pourrait donc dire que cette exposition se présente comme un héritage. Un recueil de réflexions d'une artiste qui, à 88 ans, cherche à partager à travers son art la sagesse d'une vie qui lui permet d'interpréter le présent avec une profonde inquiétude.

Le principe d'activité réflexive, essentiel à la pratique de l'art contemporain qui anime le travail de Marie Orensanz, est partagé par Julio Grinblatt, photographe argentin basé à New York et voisin dans une autre salle de la galerie Ruth Benzacar.

Dans deux séries d'œuvres exposées , Grinblatt présente de nouveaux chapitres de Uses of Photography , l'enquête de longue date sur la nature de la photographie qui l'occupe depuis des décennies et lui a permis d'approfondir à la fois la singularité de l'image photographique et du dispositif photographique et les innovations radicales qu'il a apportées au système de représentation.

Usages de la photographie se compose de onze séries variées. Dans chacune d'elles, l'artiste analyse un aspect différent des procédures et des conditions de production photographique en lien avec les différentes étapes de son développement.

À cette occasion, l’une des séries présentées par Ruth Benzacar fait allusion au mouvement, à son expérimentation à travers la photographie, au point où il devient abstraction et à la manière dont il a été abordé aux débuts de la photographie.

Pour ce faire, Grinblatt choisit une figure qu'il identifie comme une métaphore de la photographie : la momie. Figée en un instant, la Momie (une sorte de clin d'œil à Titans sur le Ring, l'un des divertissements télévisés de son enfance) est une figure qui, comme la Méduse, représente l'opposé du mouvement. Quelque chose comme le « cela a été » dont parlait Barthes.

Grinblatt soumet la momie à un mouvement frénétique, rappelant le cinéma muet. La référence à Muybridge, le photographe qui utilisait plusieurs photographies consécutives de chevaux pour illustrer le mouvement, est évidente.

Il mentionne également Jules Marey, le photographe inventeur du « fusil photographique », capable de prendre douze poses en une seconde. Nadar est un autre pionnier de la photographie qui émerge dans les explorations de Grinblatt sur la photographie et le mouvement. Ce grand photographe a immortalisé les images de Baudelaire, Sarah Bernard, Eiffel, Liszt et Corot dans des portraits qui remplaçaient les arrière-plans de scène par des arrière-plans neutres mettant en valeur le personnage au premier plan.

Mais qu'a fait ce grand portraitiste pour attirer l'attention de Grinblatt lors de cette enquête ? Précisément, il a utilisé certains de ces changements pour masquer le sujet du portrait derrière un déguisement. Une figure dans un maillage noir a été conçue pour révéler des gestes et des émotions, faisant ainsi référence à des questions abstraites plutôt qu'à une personne spécifique. Nadar a non seulement dissimulé les modèles dans un maillage entièrement noir, mais a également ajouté des cercles blancs à leurs articulations, reliées par des lignes et un fond noir. Les photographies sont ainsi devenues des dessins abstraits. Ce qui était visible, c'était le dessin des lignes de la figure en marche. C'est cette utilisation d'un déguisement pour montrer le mouvement qui, pour Grinblatt, a relié sa momie à Nadr, ainsi qu'à Muybridge et Marey, pionniers du mouvement en photographie.

L'autre série qui conclut son long projet , « Usages de la photographie », s'intitule « Double zéro » et fait référence aux utilisations du film en photographie argentique. En effet, le double zéro correspond aux chiffres indiquant le début du rouleau de négatifs.

« Je travaille sur cette série depuis 1999 », admet Grinblatt, « et ce n'est qu'aujourd'hui que j'en découvre le sens. À l'époque, la référence au double zéro m'intéressait, en lien avec les débats sur la manière dont les systèmes enregistraient le tournant du siècle. Comme une fin ou un début ? Le double zéro pouvait signifier les deux, et en même temps, une immense confusion à l'échelle mondiale. Mais ce qui a finalement façonné la série, c'est ce qui se glisse, presque au hasard, dans la première partie du film. Lorsque le photographe prend des photos pour s'assurer que la photo qui apparaît avec le chiffre zéro (c'est-à-dire la première souhaitée) est un cadre parfait, non brûlé par la lumière. »

Avant d'atteindre cette première image, cette partie du film apparaît partiellement floue par la lumière et partiellement nette par l'appareil photo. C'est ce qui intéresse Grinblatt, résultat d'événements indépendants de la volonté du photographe.

« Cela me semble être ce qui se rapproche le plus de la possibilité d'une photographie qui n'est ni mise en scène ni composée à l'avance », définit l'artiste. « Ce qui est une illusion. Parce que je l'ai prise avec un appareil photo, avec une pellicule, je l'ai choisie, je l'ai cadrée, c'est donc une façon de construire une scène. » Selon la définition de l'artiste, il s'agit d'une sorte d'objet trouvé que la perception sauve pour des raisons infinies et inexplicables.

Fragilité , de Marie Orensanz, et Usages de la photographie -XI/ Cast – Double Zero , de Julio Grinblatt, peuvent être visités jusqu'au samedi 21 juin, du mardi au samedi de 14h à 19h chez Ruth Benzacar (Juan Ramírez de Velasco 1287).