Le Caravage, l'artiste du millénaire

L'exposition exigeante célébrant l'immense œuvre du Caravage au Palais Barberini de Rome débute de manière inattendue par une déclaration claire – Caravage 2025 – et recèle, à mon humble avis, un hommage éloquent à l'historien de l'art désormais légendaire Roberto Longhi, architecte sensible et perspicace de la fortune critique de l'artiste lombard au début de l'implacable XXe siècle. L'exposition réunit, avec une diligence inhabituelle en ces temps dispersés, vingt-cinq chefs-d'œuvre sélectionnés de l'artiste, soit autographiés, soit attribués avec une rigueur scientifique. La commissaire de l'exposition est Francesca Cappelletti, directrice de la Galerie Borghèse de Rome, entourée d'un groupe rigoureux de chercheurs de haut niveau qui relatent chronologiquement l'exploit : de l'atelier rigoureux d'Antiveduto Grammatica, véritable maître du portrait à effigie, à la tutelle du Cavaliere d'Arpino, qui lui révélera les secrets de la nature morte aux fruits. En 1599, Caravage obtient un engagement public précoce et surprenant avec une œuvre puissante : La Vocation et Le Martyre de saint Matthieu , œuvres exemplaires pour la chapelle Contarelli de San Luigi dei Francesi dans la capitale.

Le style audacieux, les motifs et la figuration du Caravage ont éveillé la curiosité du cardinal Del Monte, collectionneur et mécène capricieux, et de Scipione Borghese, insatiable connaisseur de l'art nouveau, déjà post-Renaissance, ami des escapades antiquaires du marquis Giustiniani et pionnier du goût radical de l'époque. Un entrelacement tumultueux d'immersions imaginatives audacieuses allait marquer le progrès inattendu d'une esthétique que l'on qualifiait à tort de maniériste. L'intervention tant attendue de Longhi, déjà un connaisseur prestigieux et professeur à Florence, allait guider l'intégration retentissante du Caravage au cercle artistique des connaisseurs les plus prestigieux – c'était l'époque de Bernard Berenson – qui allait transformer le Seicento en péninsule pentagonale (le concept de Mario Praz est celui-ci), désormais modèle idéal du renouveau historiographique qui s'opposait aux tentatives risquées des écoles et des courants du XIXe siècle, je pense à Cavalcasselle. Une époque, donc, de renouveau de la tendance post-Renaissance éculée qui allait déconcerter le maître acerbe Berenson, qui allait dénoncer les incohérences qui caractérisaient le style du Lombard impulsif et ouvrir l'art à des artistes originaux et exceptionnels, notamment Artemisia Gentileschi, et à la génération montante de perturbateurs audacieux de la représentation figurative.

Vingt-cinq œuvres exceptionnelles impressionnent à Rome par leur vibrante disharmonie chromatique.

L'itinéraire captivant du Caravage, aujourd'hui exploré à travers vingt-cinq œuvres exceptionnelles, certaines inédites ou récemment découvertes, comme l' Ecce Homo de Madrid, impressionne le public par leur disharmonie chromatique vibrante et intentionnelle, en parfaite harmonie avec le récit historiographique. Des exemples magistraux de la grandeur constructive de l'artiste. Je souligne en particulier le Portrait de Maffeo Barberini (1598), découvert en 1963 et depuis lors en propriété privée, qui nous offre aujourd'hui la grâce de l'étudier. Et deux tableaux, que je qualifierais de subversifs, figurent parmi les œuvres phares de l'atelier de l'artiste : Jean-Baptiste (1602) et l'immensément Martyre de sainte Ursule (1610), qui, avec le puissant Ecce Homo mentionné plus haut, scelle les convictions picturales – oui, viscérales, oui – de l'imagerie du grand Caravage, j'insiste, l'artiste du millénaire, sans conteste. Un surnom qui fait des adeptes après cette magnifique exposition romaine, et ce n'est pas de l'hagiographie moderne, honnêtement.

Parmi les copies existantes d' Ecce Homo , la première appartenait à la collection de l'historien Roberto Longhi et a disparu par enchantement dès 1954. La dernière, comme on le sait et largement médiatisée, a été récemment retrouvée à Madrid. Le Dieu fait homme, dans une représentation contemporaine, centre ouvertement le personnage sur la tradition artistique et évoque des motifs primitifs uniques, la couronne d'épines tressée, qui domine la scène avec un drame profond, sous le regard terrifié et perplexe du jeune homme miséricordieux qui couvre le dos du Christ d'un tissu violet. Un brillant contrepoint, à la vision actuelle, entre la résignation sereine du Christ – que ta volonté soit faite – et l'incrédulité troublante du garçon. Un Caravage brillant. Sainte Catherine d'Alexandrie (1597) est une œuvre essentielle de la première collection Thyssen, acquise pour la Villa Favorita de Castagnola, à Lugano, par le premier baron Heinrich Thyssen en 1935 et aujourd'hui, heureusement, conservée au Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid. L'œuvre témoigne d'un changement iconographique décisif : la roue tailladée est remplacée par l'épée sanglante, digne de la noblesse de la sainte. Une leçon d'histoire de l'art pour notre présent, absorbé par l'anecdote narrative de la culture classique, inspiré, ou seulement inspiré, par les échos de la tradition académique, qui dédaigne, voire ignore, les racines du récit biblique et justifie le saut à Rome pour l'amateur d'art impatient, alors qu'une nouvelle ère d'identité européenne nébuleuse et douteuse s'ouvre.